Au-delà de la différence de hauteur de fréquences entre les saxos alto et ténor, le jeu de Coltrane est plus musculeux et aventureux que celui de Cannonball plus traditionnellement ancré dans le blues. C'est la complémentarité de ces deux styles de jeu qui fait la force de cet album (pour ce qui est des bois). Et c'est tout au crédit de Miles d'avoir réuni ces deux-là à cet instant en forçant Adderley à élaguer un jeu trop bavard hérité de Charlie Parker en même temps qu'il canalisait Trane déjà prêt à partir explorer un univers plus radical.
Plus concrètement, sur "Freddie Freeloader" par exemple: Coltrane prend son solo vers 4,30' (enceinte de droite) et Cannonball vers 6,25 (à gauche).
Pour habituer l'oreille aux différentes fréquences, compare des saxophonistes qui ont influencé tous les autres dans leur instrument respectif: Parker pour l'alto et Coleman Hawkins pour le ténor, la différence est flagrante (et les deux ont joué ensemble).
Et ne pas oubliez le saxo soprano également joué avec brio par Coltrane (album "My Favorite Things" s'il n'en faut qu'un).

Cher lecteur,

Je vais quelque peu vous orienter. Sur le titre Blue in Green, la partition de Coltrane commence à 2:27. Je laisse vos oreilles faire le reste !

Attention, je ne parlais pas des rééditions d'albums cultes et anciens, mais d'albums d'artistes actuels, tels M Pokora, Gims, Vianney, Clara Luciani, etc...

Salut Foudrock,

Je n'ai jamais fait attention à ce que tu expliques mais je te crois sur parole.
Quand je vois le prix de réédition des albums cultes de mes jeunes années... des rééditions à 150, 300 €, versions 6 cds (du même album de 45 min. !) OK le coffret est beau mais l'album je le connais depuis 30 ans...
Pas de doute qu'en 2025, on continue de presser le citron de la fan attitude. Hélas je cède aussi et je me surprends à dire merci en plus... heureusement de moins en moins avec l'âge.

Ce qui, je trouve, passe mal en 2025 (mais ça fait quelques années que ça existe), c'est de ressortir un album quelques mois après sa sortie, avec deux ou trois titres en plus. Le fan achète donc deux fois le même disque. Alors que l'artiste pourrait patienter un petit peu et mettre ces nouvelles chansons sur un E.P ou un nouvel album à venir. Ou juste les proposer sur le Net.
Ils font tous ça : un album sort et quelques mois plus tard, il ressort en version collector avec deux titres en plus et une pochette un petit peu différente. Apparemment, personne ne trouve ça abusif ?

Merci Martin pour cette réponse complète.
Comme cela passerait mal en 2025 de sortir un album en regroupant des EP's. Même avec des inédits je pense.

Propre aux années 60, je dirais que non parce que dans les années 70, bien que le procédé soit moins systématique, il y a plein d'albums des ex-idoles yéyés par exemple qui portent le titre de la première chanson supposée en être le tube et booster les ventes mais pas que... c'est le cas aussi de SHELLER (Dans un vieux rock'n roll), SOUCHON (Jamais content), SANSON (Vancouver)... et tous ont la chanson-titre en piste 1 de la face A qui sera extraite en single au même moment.
Néanmoins, avec BREL et "Mathilde", c'est plus le regroupement des chansons de 2 récents 45t sur un 30cm qu'un véritable album, comme ça se faisait beaucoup à l'époque et même avec 12 titres sortis sur 3 EP's (avec parfois 1 à 4 inédits), ce qui accentue cette impression de non-représentativité de l'ensemble.

Un jeu de mots sur "witche's brew" ("brouet de sorcières", préparation de sorcellerie)

"Aumgn" est le nom d'un mantra utilisé par le mage/poète anglais sulfureux Aleister Crowley. Ce terme ésotérique colle parfaitement avec la musique, parfois, incantatoire de CAN quand on y pense.

Ils sont père et fils:D Long John Silver est un pirate, Erwin s'appelle Erwin, Nestor bosse à Moulinsart et Arp2600 est un clavier:)

SCOOP: Pour avoir du succès avec "Hung Up", elle a bénéficié de la protection des petits hommes verts, tout comme ABBA:D
Mélodie composée par ces petits messieurs, mais chut, c'est un secret.
Jacques Villeret avait également signé un papier pour que tout ce joyeux monde puisse utiliser la mélodie de la "Soupe aux choux".
Sinon, Marilyn Manson était très ami avec le pape qui avait assuré son succès avec "Antichrist Superstar".
Quelques exemples parmi tant d'autres:)

Il faut comprendre, indépendamment de tout "conspirationnisme" mal venu, que le chemin du succès est parsemé de consentements successifs (plus ou moins forcés) de l'artiste envers l'industrie du disque, tel un vassal à son suzerain, qui lui promet en retour une certaine protection. C'est un fait, qu'on le veuille ou non. Certains artistes jouent le jeu jusqu'au bout, quitte à y laisser des plumes (voire leur propre vie), d'autres renoncent à temps, quand la rançon du succès devient trop lourde à porter. Dans le cas de Madonna, on imagine aisément que cette "protection médiatique" ait été monnayée spirituellement.

Une vierge splendide étudiant Splendeur par ces temps si sombres. J'en reste dépité.

La kaballe ? comme david bowie avec sa kabala sataniste ?

Madonna raconte sa quête spirituelle dans l'édition de vendredi 31 juillet du quotidien israélien Yediot Ahronot. Avant sa tournée "Sticky & Sweet" de septembre en Israël, elle y détaille sa découverte de la mystique juive et son attachement à la Kabbale.

La "Material Girl" confie avoir eu le sentiment qu'il "lui manquait quelque chose dans la vie", au plus haut de sa carrière artistique, alors qu'elle "parcourait le monde, présentait ses spectacles devant des stades bondés et dînait avec les grands de ce monde".

"J'étais enceinte de ma fille, c'était il y a quatorze ans et me suis rendue compte que j'avais passé toute ma vie en ne pensant qu'à moi et que soudain je devenais responsable d'un autre être", détaille-t-elle dans les colonnes du quotidien à grand tirage.

"J'ai été élevée dans la tradition catholique et mon père était très pieux, mais je ne trouvais pas de réponse chez moi aux questions que je me posais sur le sens de la vie et pourquoi les hommes souffrent", poursuit la chanteuse.

Cette quête de spiritualité l'a conduite à étudier le yoga, le bouddhisme, le Taoïsme et bien d'autres, avant de finir par la Kabbale qui, selon elle, répondait à ses questions existentielles.

Madonna a pris le prénom hébreu d'Esther en 2004, l'année où elle participait à une retraite mystique de quelques jours consacrée à la Kabbale en Israël.

Du point de vue du judaïsme orthodoxe sa démarche est quasi-sacrilège.

Madonna ne s'est, en effet, pas convertie au judaïsme et même si elle le faisait, la tradition lui nierait le droit d'étudier la Kabbale, qui n'est accordé qu'aux hommes mariés de plus de quarante ans ayant étudié pendant des années le Talmud (la base de la législation religieuse du judaïsme).

Car la Kabbale, dont le principal texte, le Livre du Zohar ("Splendeur" en hébreu), rédigé au cours du XIIIème siècle en Espagne, a la réputation de faire perdre la tête à ceux qui se plongent dans ses mystères, sans formation préalable.


Ci-dessus: Infos pêchées sur le web.
J'ai essayé de trouver quand elle est entrée dans cette secte, il me semble qu'elle n'y est pas entrée dans les années 80 en tout cas.
Donc non, je ne pense pas que la Kabbale la protégeait, du moins, pas pour cette décennie.

C'est vrai qu'après avoir bien poussé mes recherches on ne trouve pas vraiment d'explication sur l'enregistrement de ce titre.

Pour ma part, ce n'est que mon avis, je pense que l'effet Live a été voulu. Il a été rajouté en studio. Si une version classique existait et qui aurait été jouée en concert, elle serait connue ! Surtout que l'album "Voyou" est sorti en Février 1983 ce qui nous amènerait grosso modo à l'Automne 1982 pour un hypothétique enregistrement public. Hors Berger n'était plus en tournée à cette époque si je ne me trompe ! Et "Les princes des villes" ne figurait pas au menu de sa tournée 1982...

Pourquoi ce public rajouté en studio ? La chanson traite du star-system. Ce rajout est donc plutôt pertinent du point de vue artistique...

Cela me fait doucement rire, vu que c'est un des groupes qui représentent le mieux ce mouvement.

Au passage, Donald Fagen (comme nombre des fans du groupe) rejette ce terme de "yacht rock" auquel il n'associe pas son groupe.

Un petit côté club voire piano-bar aussi : quelque chose de rond qui n’agresse pas les oreilles, qualitatif mais easy listening.

merci pour les reponses et le lien de pilgrimen impressionant comme blog en effet

Je rejoins Baker sur le qualificatif "onctueux".

J'augmente aussi ma première réponse en précisant que Westcoast ou Yacht Rock, c'est la même chose. Deux appellations pour une même musique.

RYM offre une définition claire du Yacht Rock : https://rateyourmusic.com/genre/yacht-rock/
Définition similaire à celle qu'a pondu Baker.

Pour moi cela fait référence à un son particulier, à la fois onctueux et précis, qui était obtenu dans les studios - et avec les meilleurs musiciens - de la côte ouest américaine, et tout particulièrement Los Angeles.

Les stars utilisaient souvent les mêmes musiciens pour leurs chansons ce qui conduisait à un style de son à la fois chaud, un peu jazz-rock dans l'esprit, mais avec aussi un côté "edgy" surtout dans la batterie et la guitare - le duo west coast par excellence était bien sûr Jeff Porcaro et Steve Lukather.

Le meilleur moyen de se rendre compte de ce son, et de celui de l'east coast son rival, c'est d'écouter Le Cimetière des Elephants d'Eddy MITCHELL. On connaît tous la version west, mais l'album de 82 se termine par une version east à New York, et ben que les arrangements soient plus ou moins les mêmes, juste le toucher des musiciens rend la chanson différente.

Je pense que tu trouveras ton bonheur ici, c'est une véritable bible : https://labibledelawestcoast.blogspot.com

Westcoast et AOR ont souvent une frontière ténue. Appelons "Westcoast" de la Pop Californienne. Ainsi, TOTO est classé dans la catégorie Westcoast, par exemple. En sus du qualificatif "Pop Californienne", j'ajoute l'idée d'AOR Soft. L'AOR conserve encore un certain mordant Hard Rock, là où je considère que la Westcoast l'écarte souvent pour se concentrer sur un son plus léger et mélodique.

Il existe oui. Mais c'est une petite autoprod, pas sûr qu'il soit beaucoup distribué. On peut le trouver à la source : https://galim0.wixsite.com/galim/commander

Merci. Peut-être que je vais y jeter une oreille, il paraît qu'il pulse assez d'après ce que j'ai pu lire.

À mon sens, pas vraiment. Je trouve qu'on sent quelques petites touches ici et là, et c'est pas désagréable

La différence est ténue car les chantres de la théologie pop-rock ne sont jamais d’accord entre eux, déjà rien que pour la terminologie ‘post-punk’.

Il y a les ‘puristes’ pour qui le post-punk ‘au sens strict’ correspond à une évolution du punk où le côté expérimental prend progressivement le pas sur la mélodie, laquelle devient de moins en moins accessible à la masse. Gang of four, Wire, PIL, Devo, les premiers Siouxsie, Talking Heads, ou Joy Division, puis The slits ou The fall pour ne citer qu’eux. Ce côté ‘moins accessible’ est comme un trait d’union entre le Kraut-Rock des 70’s et le rock indé à la Pixies de la fin des 80’s.

Et puis il y a les généralistes pour qui le post-punk ‘au sens large’ correspond plus à la ‘période qui suit’ le punk, et va donc encapsuler ‘tout ce qui ne se faisait pas avant’, c’est à dire ce qui est en rupture totale avec le rock ‘conventionnel’, le folk, le prog, la country-rock, le Heavy-metal, etc. On arrive à un spectre beaucoup plus large ou tout et n’importe quoi peut être adjoint aux groupes précédemment cités. Donc la New Wave (qui induit en effet l’inclusion progressive de synthés, dont certains deviennent même vecteurs directeurs des compos) plus ou moins minimaliste, la cold wave, le gothique (style Sisters of Mercy ou Bauhaus), les expériences froides de Bowie, les ‘néos romantiques’ (plus superficiels, style Adam and the ants ou Spandau Ballet). Tout gloubi-boulga indéfinissable (comme Remain in light des Talking heads) jusqu’à des trucs électro (New order) peuvent y être adjoint.

Et il y a même ceux qui ne sont pas d’accord et pour qui la New Wave englobe certaines autres catégories, donc c’est un vrai bordel.

Oui, le Proto est très rigolo:D
Le truc qui aurait éventuellement pu influencer tel ou tel groupe, mais sans certitude... Horrible.
Par genre, je le faisais au début quand j'avais pas encore tellement de disques et oui, c'est un casse-tête, j'ai également opté pour l'alphabétique.
Bon, faut tout déplacer quand on en achète des nouveaux, mais c'est plus simple, c'est vrai.
Shania Twain à côté de Shape Of Despair, ça choque au début, mais on s'y fait:D

Ah, je voyais plutôt le Post Punk comme une sorte de réaction à la New Wave, considérée trop sucrée, gentille, "commerciale".
Le Post Punk étant davantage torturé, une sorte de musique triste/névrosée construite sur des bases Punk.
Mais je me trompe peut-être.

Dans l'absolu, toutes ces dénominations ne sont que des effets de manche journalistiques. Une façon d'accéder à une (petite) postérité pour celui qui aura inventé un terme, un genre ou sous-genre resté dans le langage des mélomanes. Pour faire encore plus "genre", adopter le terme proto. "J'adore ce groupe de proto Black Metal" par exemple.
Beaucoup classent leurs CD et vinyles par genres. Casse tête chinois insoluble. J'ai finalement opté pour le classement alphabétique intégral. Daho à côté de Darkthrone, c'est plus sympa.

Arff... c'est presque un synonyme ! Je dirais que le post-punk est plus proche du punk (donc encore assez rock à base de guitare) alors que la new-wave est plus synthétisée... Mais ça se joue à 2 ou 3 ans près, ces deux époques sont mitoyennes !

Bonjour Adriaaan,

Non, bien sûr, John Bonham n’a jamais joué dans les METERS. C’était une façon de dire que certains aspects du jeu de Joseph « Zigaboo » Modeliste me font penser à celui de Bonzo et d’attirer des curieux amateurs de rock dans le giron du funk. Le travail sur les groupes de trois (les fameux « Bonham triplets » qu’il aurait emprunté à Carmine Appice) qui donne cette pulsation syncopée est commun aux deux batteurs (et à bien d’autres). Les influences de Bonzo étaient Buddy Rich, Gene Krupa et Max Roach, des batteurs totémiques qui ont forcément influencé aussi Zigaboo. Les frontières entre les genres musicaux ne sont par bonheur pas si étanches que ça et il faut être sourd pour ne pas entendre le funk dans le jeux de Bonham (« Immigrant Song », c’est ni plus ni moins du Clyde Stubblefield à fort volume) ou encore le jazz dans le jeu de Bill Ward (le break de « Electric Funeral » par ne citer qu’un exemple). Autre exemple d’un groove qui défie les genres  : le half-time shuffle qu’on trouvera chez Bernard Purdie (le Purdie Shuffle qui porte son nom), chez Bonham (« Fool in the Rain ») et chez Porcaro (« Rosanna »). Tout le monde s’inspire de tout le monde jusqu’au moment où on ne sort plus de sa chapelle et où les genres deviennent stériles.

Bien à toi,

John Bonham n'a jamais joué avec les Meters, d'où ça sort ça ?
A moins que vous vouliez dire que le batteur jour comme JB, mais même là je vois pas de point commun, la funk et le hard rock se jouent pas du tout de la même façon ...

Il y en a à la pelle : Commodores, Temptations, Blackbyrds, Brass Construction, Mandrill, Ohio Players, Tower Of Power, Parliement, Funkadelic, Munity, Jimmy Castor Bunch, Meters, Chocolate Milk, Cameo, etc etc etc

Merci à tous pour vos réponses.

Il a fallu attendre 1970 pour voir apparaître dans les charts des titres avec le mot Funk ou l'adjectif funky. Parmi les précurseurs:
Willie Henderson & The Soul Explosions avec "Funky Chicken"
Les Chambers Brothers avec "Funky"
James Brown avec "Funky Drummer"
Paul Humphrey "Funky L.A."
On retrouve aussi Popcorn Wylie avec "Funky Rubber Band' ou Wilson Pickett avec ""Funk Factory"
Autre grand nom du funk : Dyke & The Blazers

Un autre bon moyen pour aller encore plus loin et découvrir des pépites inconnues : la "Playlist Funk à l'ancienne" de Mozinor sur Youtube. Un régal !

Pour compléter le précédent intervenant : des groupes comme Kool & the Gang (avant qu'ils ne virent disco), Mandrill... Betty Davis et bien évidemment James Brown. Et plein d'autres.

Hello !

Je ne connais pas le film dont tu parles mais après écoute de la bande-son, j'entends plus de la soul music que du funk à proprement parler (bien que la frontière soit ténue !), donc je t'orienterai plus vers le Marvin Gaye du début des années 70 ou carrément The Temptations du temps ou ils faisaient dans la soul psychédélique (en gros, de fin '68 à fin' 73). cela dit, certains arrangements de cordes me rappellent également le 'Philadelphia sound' pratiqué au milieu des années 70 et même certains morceaux du groupe Rose Royce (dont la production était assurée par Norman Whitfield, déjà arrangeur et producteur pour les Temptations durant plusieurs années).
MARVIN GAYE: What's Going On (1971) et l'album posthume You're The Man (enregistré en 1972 mais paru en 2019).
THE TEMPTATIONS: la double compilation Psychedelic Soul (parue en 2003) retrace bien cette époque de 1968 à 1973.

Bonne écoute !

Plonge-toi peut-être d'abord dans les classiques de la Blaxpoitation si tu ne les connais pas déjà tels que Shaft d'Isaac HAYES, Superfly de Curtis MAYFIELD, The Mack de Willie HUTCH, il y a beaucoup de cordes dans tout ça. Du sensuel encore avec Leon HAYWOOD.
Va ensuite à l'exploration du P-Funk de George CLINTON avec PARLIAMENT et FUNKADELIC. Tente des morceaux faciles d'accès comme "Atomic Dog", "P-Funk (Wants to Get Funked Up", "Give Up the Funk" et vois si tu veux t'aventurer au-delà mais sans substances illicites, des fois, c'est dur. Fais ensuite un crochet par la Nouvelle Orleans avec les METERS (le 1er album instrumental avec quasiment John Bonham à la batterie, énorme et l'album Rejuvenation). Des cuivres avec Tom BROWNE (morceau "Funkin' For Jamaica").
Voilà pour quelques pistes.

Ca me fait penser au premier album de America en 71. Excellent album, ce qui fut pas le cas des suivants.

Quand les artistes et groupes ont comme "meilleur album" leur premier, ce n'est pas toujours bon signe (signifiant qu'il ne leur a fallu qu'un album pour trouver vraiment l'inspiration... ?), alors que j'admire certains artistes / groupes, pas si nombreux que ça, dont les albums sont de mieux en mieux au fil de leur sortie. Je pensais à Goldman : pour moi c'est clair : chaque album qu'il a sorti est, en quelque sorte, meilleur que le précédent. J'aime bien ce côté "amélioration continue", en apprenant des bonnes expériences ou erreurs passées, et en rectifiant le tir...

Si on parle de 3ème album "meilleur", j'ai tout de suite en tête Supertramp mais aussi Tom Petty, ou après 2 albums assez moyens, vient la grosse claque du 3ème album Damn The Torpedoes (et le suivant tout aussi bien).

Sans oublier cette référence étrange au chiffre "4" comme nom d'album, et souvent de leur meilleur album !
Je pense à Foreigner et Toto.
Mais même sans porter le chiffre "4", il y a beaucoup de groupes qui se "révèlent" vraiment à leur 4ème album, avec un excellent premier album, puis se laissant un peu aller aux 2ème et 3ème (le temps de "chercher leur son"), et SBAM ! au 4ème, ça décolle.

King Crimson et Gentle Giant ? C'est un peu fort ! Leurs premiers albums respectifs ne sont rien à côté des suivants !

King Crimson
Mike Oldfield
Roxy Music
Chicago
Gentle Giant
Jimi Hendrix
Lynyrd Skynyrd
Ted Nugent
Guns & Roses
Yngwie Malmsteen
...


Il me semble que pour beaucoup d'autres, c'est le troisième album qui marque la fin des expérimentations et la révélation du style avec un album qui devient la pierre angulaire de la discographie.
Là, je pourrais citer Magma, Judas priest, UFO, Dire Straits, Yes, Metallica, Camel, Supertramp, ...

Souvent, le premier est le "meilleur" (effet de surprise ?). mais j'ai plutôt en tête des contre-exemples : Radiohead ("Ok computer"), Depeche Mode ("Violator"), Laurent Garnier ("Unreasonable behaviour"), Autechre ("Tri repetae"), Massive Attack ("Mezzanine"), MC Solaar effectivement ("Prose combat"), Mylène Farmer ("Ainsi soit-je..."), Björk ("Post" ou "Homogenic")...

Strokes
Lenny Kravitz
Morcheeba
B'52's

C'est subjectif évidemment, pour ma part je citerais:
The Doors
Tracy Chapman
Van Halen
Trust
La Funky Family

Dans un tout autre genre certains diraient que EMPEROR avec "In The Nightside Eclipse" a signé son magnum opus du premier coup (voire même a donné le mètre étalon du black metal symphonique)

Les Doors ( bien que tous les albums soient excellents )
Alanis Morissette
Billy ze kick

Sinon, j'ai entendu dire que le deuxième album d'un groupe est souvent le meilleur : des exemples comme Suede, Oasis, Joe Satriani, Les Wriggles, Téléphone, Dire Straits, MC Solaar, Radiohead (pour certains), The Police, Les Cranberries, Dream Theater etc.

@le kingbee : Oui c'est vrai concernant les Quo... mais c'est peut-être la période assez longue entre les titres que tu cites et In the Army Now qui laisse à penser qu'ils n'ont eu que ce gros succès... Un tube très "isolé" dans leur carrière, en fait. Ce fut une renaissance pour eux, mais franchement je trouve cet album pas terrible.

Je veux forcement dire leur meilleur album que ce soit artistiquement ou commercialement ca n'importe pas dans ce cas de figure car la différence avec les autres album est flagrante

@ Nono

Petite rectification concernant les Quo.
Paper Plane et surtout Caroline , Down Down, Rockin All Over The World ou Whatever You Want avaient préalablement connu des Number One.

Tout dépend ce qu'on entend par "meilleur album" : artistiquement ou strictement commercialement ? (même si parfois les 2 se rejoignent).
Si on attend le "premier gros tube" d'un groupe, parfois on peut attendre très, très, trèèèèès longtemps : par exemple Status Quo, bien qu'ayant eu du succès dans les 70s, a eu son premier gros succès commercial plus de 15 ans après ses débuts (en 1986 avec "In the Army Now") !! A l'opposé, d'autres comme Rod Stewart peuvent cartonner leurs premières années avant mourir à petit feu pendant des décennies ! (Honnêtement pour lui trouver un bon album après la fin des années 70, faut se lever tôt !)

Très peu de cas de figure existe comme exemple.il vaut mieux se concentrer sur une discographie entière.

IRON MAIDEN, BLACK SABBATH.
BOSTON.

Il y a eu une excellente ébauche de RATM à travers le groupe LOCK-UP dans lequel évoluait Tom Morello. Clairement l'album "Something Bitchin' This Way Comes" a servi de base.

Ainsi, j'ai du mal à admettre qu'un groupe signe un classique, sans démos ou tâtonnements à travers d'autres formations préalable. Généralement, le succès occulte les galères ou essais précédents. Il y a souvent du bagage !

Les deux logiques opposées sont valables : certains groupes pondent leur meilleur opus pour premier album, et après deviennent de moins en moins bon, comme si leur inspiration ne tenait que dans 1 ou 2 albums (mais ça peut se comprendre, tout le monde n'est pas "Dieu"), d'autres deviennent de mieux en mieux car s'appuyant sur leur expérience progressive.
Je cite quelques exemples ...
1) Groupes / artistes avec 1er album comme le meilleur (ou un des meilleurs): Toto, The Police, Van Halen, Phil Collins
A l'inverse : OMD, Genesis ou Pink Floyd ont eu des débuts spartiates, il leur a fallu un peu de temps pour s'imposer.

Machine Head ou Guns N' Roses me viennent en tête.
Emperor, Cathedral, Rob Zombie, Candlemass, Devin Townsend?
Selon les personnes, ça changera. Par exemple, nombreux seront ceux qui trouveront que le premier Sonata Arctica est le meilleur, je préfère les trois suivants à titre personnel.
Sinon, Scorpions, Judas Priest et RHCP. Nan j'déconne:)

VAN HALEN
BOSTON
METALLICA
MAROON 5

Par curiosité, je suis allé sur toituyau l'écouter, et je ne vois rien d'autre qu'une chanson typique du style de Level42 pareille à elle-même. J'ai envie de dire que c'est loin d'être la seule chanson dans ce cas, c'est juste la façon de composer de MK. Lesson. In Love me fait le même effet (entre autre).

@Baker : "Two hearts collide" a en effet à la fois du bon et de l'agaçant ; du bon : mélodiquement (comme je le disais précédemment, avec son art subtil de "contourner" la mélodie), mais aussi agaçant car c'est le titre le plus typé "80s" de la galette avec ses overdubs dans tous les sens et sa batterie ultra-réverbée.
Dans cet album j'adore vraiment "Take a look", "Silence", "Over there" et le plus progressif "Man".
Par contre la très pompeuse chanson-titre me saoûle.

C'est assez rigolo car Staring est mon album préféré des L42, mais la dernière fois que je l'ai écouté, c'est ce titre qui m'a le moins plu. Cependant, à l'époque, j'avoue que je l'adorais, je l'avais même repris. C'est donc qu'il doit bien avoir quelque chose, un truc en plus effectivement.

Le plus étonnant est que la chansopn "far Away" était déjà jouée lors de la tournée "lonesome crow" mais n'est créditée que par les frères Scenker et Klaus Meine, et non par le groupe de 1972 en entier...

Si j'en crois ce que j'ai pu lire à ce propos, concernant la compo "Fly To The Rainbow", celle-ci aurait d'abord été composée par Michael Schenker avant son départ de SCORPIONS et ensuite complétée par Uli Jon Roth. D'où cette double signature...

Arf! Ils auraient pu donner plus de précisions dans le livret, ça prête à confusion avec les frères Schenker.

Merci beaucoup pour ta réponse Léo:)

On trouve trois morceaux co-signés avec Michael Schenker sur l'album Fly To The Rainbow:

- "Fly People Fly" (musique: Michael Schenker, paroles: Klaus Meine)
- "Far Away" (musique: Michael et Rudolf Schenker, paroles: Klaus Meine)
- "Fly To The Rainbow" (musique: Michael Schenker, paroles et sans doute une partie de la musique: Uli Roth)

Il y a de fortes probabilités que ces morceaux aient été élaborés avec Michael Schenker avant son départ des SCORPIONS et que le groupe ait choisi de les enregistrer avec son successeur Uli Roth, plutôt que les laisser de côté.

Pour le morceau-titre "Fly To The Rainbow", sans doute n'y avait-il pas encore de texte à l'origine lorsque la musique fut composée et une fois que Roth a intégré la formation, il a pu être inspiré par le morceau et créé un texte qui lui convienne, tout en ajoutant des parties instrumentales qui n'existaient pas encore (je pense en particulier à la seconde partie du morceau et son final qui ne peuvent provenir que de Roth).

C'est comme ça que je vois la chose, car à mon avis, ce titre n'a pas été fait en commun au même moment (Michael étant parti en tournée avec UFO, qui l'a engagé au pied levé dix mois avant l'enregistrement de Fly To The Rainbow).

Les pochettes des albums de Robin Trower dans les années 70 sont faites de la même façon. Quel est cet artiste ?

The Republic Designers pour les pochettes du label électro WARP.

quand on y pense c'est souvent le même style : theme fantastique et couleurs assez tapantes.

Dan Seagrave pour beaucoup d'albums de Death Metal des années 90 (Malevolent Creation, Suffocation, ...)

Par Olofsson pour beaucoup de pochettes de death technique (Spawn Of Possession, The Faceless...)

@ super itule
Absolument, ma mémoire me trahit, il s'agit d'Abdul Mati Klarwein. Merci à toi.

Et pendant que j'y suis: un seul T à MOLLY HATCHET.

Et pendant qu'on y est:
- Mark Wilkinson pour MARILLION/FISH/JUDAS PRIEST
- Doug Johnson pour PRIEST (la triplette Vengeance/Defenders/Turbo).

@Jasper c'est plutôt Mati Klarwein

Mark wilkinson: Marillion, Fish...mais aussi un peu de Judas Priest et Iron Maiden

Andreas Marshall avec Blind Guardian, Grave Digger, In Flames,Destruction, Hammerfall, Kreator, Obituary, Sodom et de nombreuses autres illustrations.

Edward J.Repka avec Megadeth ou Death, pour citer ses plus connues.

Travis Smith, un de mes préférés, avec Amorphis, For My Pain, To/Die/For, Iced Earth, Opeth, Katatonia, Devin Townsend, Anathema, Novembre, Overkill etc...

Dave Patchett avec ses monstrueuses illustrations de Cathedral.

Seth Siro Anton: Septic Flesh, Draconian, Moonspell, Paradise Lost, Belphegor etc...

Il y en a d'autres, ceux ci me sont venus à l'esprit en lisant la question.

Dans les années 70, Barney Bubbles a créé des pochettes d'albums pour HAWKWIND puis à la fin de la décennie, il s'est associé au label Stiff Records et à la vague punk/new wave pour laquelle il a dessiné des pochettes (DEVO, NICK LOWE, THE DAMNED, ELVIS COSTELLO, IAN DURY, GENERATION X....).
À la fin des années 70, début des années 80, Malcolm Garrett pour le compte de la société Londonienne Assorted iMaGes a créé nombre de pochettes de disques pour des artistes issus de la scène post-punk/new wave comme les BUZZCOCKS, MAGAZINE, THE HUMAN LEAGUE, SIMPLE MINDS, JOHN FOXX, DURAN DURAN.....
À la même époque, Peter Saville (en partie influencé par les travaux de Malcolm Garrett) était connu pour avoir conçu des pochettes pour le label Factory qui regroupait les artistes JOY DIVISION, NEW ORDER, A CERTAIN RATIO, MARTHA AND THE MUFFINS mais également pour d'autres artistes (signés sur d'autres labels) comme ORCHESTRAL MANOEUVRES IN THE DARK, ROXY MUSIC, ULTRAVOX....
De 1983 à 1988, Vaughan Oliver et Nigel Grierson ont créé 23 Envelope qui concevait les pochettes pour le label 4AD et leurs artistes COCTEAU TWINS, MODERN ENGLISH, THIS MORTAL COIL, XMAL DEUTSCHLAND, COLOURBOX, DIF JUZ....

Andy Vella et Porl Thompson (guitariste du groupe) de Parched Art. Ils ont fait la quasi totalité des visuels des pochettes de The Cure.

- Jim Fitzpatrick pour THIN LIZZY
- Maty Kleiman pour la période Miles DAVIS électrique
- Reid Miles pour la quasi totalité du catalogue Blue Note de la grande époque.
- Frank Frazetta pour MOLLY HATCHETT

Derek Riggs pour les superbes(si l'on aime l'univers fantastique du groupe)premières pochettes d'IRON MAIDEN.

ah ok pas grand rapport avec yello du coup
merci

J'ai écouté l'extrait en question et il s'agit du morceau "Under The Lights" du groupe SHRIEKBACK, tiré de l'album Jam Science paru en 1984.

je reessaye parfois on sait parfois pas. il s'agit de la premiere chanson
https://drive.google.com/file/d/1K7reuKRnBJ85GyJrvwPLuT3-IfPHpvli/view

Hello!
Au début des années 80, il y avait des tas de formations 'new wave' avec chanteurs à la voix grave, donc cela risque d'être compliqué de deviner ce que tu recherches (surtout sans en écouter un extrait au préalable). Essaye toujours les groupes TUXEDOMOON (de San Francisco), MECANO (groupe Hollandais à ne surtout pas confondre avec le groupe de variétoche Espagnol),ou MINIMAL COMPACT (originaire de Tel-Aviv mais basé à Amsterdam puis en Belgique). Le mieux serait que tu te crées un compte sur un forum de recherches comme watzatsong.com/fr sur lequel tu peux publier un échantillon de la chanson que tu auras extrait de ta cassette afin que d'autres utilisateurs te donnent une réponse. Cela me paraît la solution la plus simple !

Perso j'ai jamais compris cette "mise à jour" des pochettes de ses albums, d'autant plus que c'est les enregistrement originaux.

Je n'aime pas du tout les pochettes d'albums de Phil Collins non plus.
Mais le PIRE, ce sont ces affreuses nouvelles pochettes, sur les rééditions des albums de Phil Collins, où on voit la tête du Phil Collins d'aujourd'hui, donc avec les rides en plus.
Quel intérêt de refaire ces pochettes, avec sa tête d'aujourd'hui ?
C'est encore plus moche !

Dans les années 80 je suppose que c'était courant de confondre les production de Phil Collins avec Genesis et celles en solo. Peut être faisait il ça pour insister sur le fait que c'était ses albums à lui.

Peut être a-t-il voulu faire ainsi la différence avec les albums de Genesis, dont les pochettes étaient en général très conceptuelles dans les années 70, exception faite des deux "live" ...

Cette pochette (de l'album "Face Value") fut sa première. Je pense que pour garder un fil conducteur, Phil a poursuivi le concept de ses pochettes, en changeant seulement d'angle de photo. J'y vois à la fois un trait d'humour et une certaine simplicité.
En fait il n'y a que "Dance into the light" qui ne le représente pas en gros plan.
Face Value : gros plan de face,
Hello I must be going : de profil avec fond bleu,
No jacket required : légèrement en contre-plongée, visage rouge et fond noir,
But seriously : de trois-quarts, regardant vers le bas, fond noir,
Both sides now : de moitié, fond beige clair,
Dance into the light : la seule exception : on le voit en entier, fond orange,
Testify : semblable à face value mais "plus loin" et en couleur...

Bah j'imagine que, nombriliste il s'admirait dans la glace chaque matin en se disant "Phil t'es le plus beau, t'as la classe mondiale, t'as du talent, t'es un killer..." :-D ! Et puis on est jamais mieux servi que par soi-même donc autant s'auto-congratuler et mettre sa tronche sur les pochettes ! Non ?

Bon blague à part je ne sais pas trop, mais partons de l'hypothèse qu'il y a un but commercial. En se mettant systématiquement en pochette sans mise en scène il se dit : les gens me voient, me connaissent, ils savent qu'ils achètent un disque de Phil Collins sans même avoir besoin de lire le nom. Comme d'autres chanteurs d'ailleurs, les exemples foisonnent !

C'est un concept auto cohérent : photo du visage (selon des angles différents), écriture manuscrite, titres d'albums curieux ("Salut ! je m'en vais tout juste", "Pas de veste requise", "...mais sérieusement"). Il y a des exceptions dans sa disco ("Dance into the light", "Going back", encore que ce dernier...) mais dans l'ensemble, c'est cohérent.

Bah, faut être réaliste : quand, à même pas 20 ans, tu integres ce qui deviendra un des plus grands groupes de rock progressif, tout en étant considéré comme un des meilleurs batteurs de rock, et participant assez bien aux compositions; quand apres le départ de Peter Gabriel, tu reprends son rôle et que tout passe crème et que dans les années 80 tu transformes un des groupes piliers du rock prog en machine à tube, tout en étant soi-même une machine à tube pour ton compte personnel en parallèle, bah ça n'aide pas à être modeste.

"Est-il pingre au point de ne pas vouloir embaucher aucun concepteur digne de ce nom ?"

Peut-être qu'après les "magnifiques" pochettes d'Abacab et de Duke, Philou a estimé que, quitte à faire une pochette naze, autant qu'elle ne coûte pas cher...

Disons qu'il a, comme la plupart des gens, moi compris, un physique banal, passe-partout. Cela le rend plutôt sympathique, finalement.
Le plus important reste néanmoins la musique. Mais c'est vrai qu'on peut avoir du mal à comprendre la choix de ces pochettes (ça fait un peu nombriliste, je trouve). Mais en même temps, Johnny Cash (pas non plus un sex-symbol), Elvis... il me semble avoir tout le temps vu leurs binettes en couverture.

Certains de ses disques émanent d'un fort contexte personnel (ruptures conjugales, naissance d'un enfant...), il est donc non pas logique mais pas étonnant que Phil Collins nous montre sa tête. Ensuite, vous remarquerez que chaque pochette a une couleur différente qui reflète aussi plus ou moins le ton de l'album : triste pour Face Value, bouillonnant pour No Jacket Required, enjoué pour Dance Into the Light, tendre pour Testify (le bleu du polo évoquant selon moi le bonheur amoureux et la naissance de l'enfant).

Après, que Phil ne soit pas particulièrement beau... Tout est relatif, à 20 ans il était plutôt good-looking (et sa fille Lily "Blanche Neige" en a bien hérité), et son look actuel me parait plus naturel que celui de Peter Gabriel.

@Walter Smoke. J'ai lu. C'est très clair(semé) pour moi, et j'ai bien rigolé d'ailleurs (merci)!
P.S : je viens de me rendre compte que moi aussi j'ai les premiers symptomes de la Philcollinie ! je vais consulter ! Au poil !

Aucune attaque de ma part, RED ONE. juste une interrogation. Et puis, la comparaison ELVIS et PHIL COLLINS... ELVIS était un pur sex-symbol, ce qui n'est pas vraiment le cas de COLLINS, qui n'a jamais prétendu cela non plus (et heureusement, il est réaliste : petit, chauve...). Non! comparaison n'est pas raison !

Je ne suis pas un grand amateur des oeuvre solo de Phil Collins, mais je trouve que ses pochettes d'albums sont cohérentes : son visage sous différents angles (à l'exception d'un ou deux albums), toujours la même police d'écriture manuscrite ... C'est très cohérent, un amateur peut s'y retrouver assez aisément.

Je pense qu'il est inapproprié d'attaquer Phil Collins sur le côté "égocentrique" de ses pochettes d'albums. Il n'est pas du tout le seul à procéder (ou à avoir procédé) de la sorte. Vous vous rappellez les pochettes d'Elvis ? Dans le grand monde de la variété (auquel appartient Phil Collins), ce genre de visuel est assez récurrent, voir même trop. Phil Collins semble avoir tiré partie de cette mode et propose un ensemble visuel cohérent et tout de suite identifiable. Moi, ça ne me choque pas. Et pourtant je ne suis pas fan, je le répète encore.

Il se trouvait tellement beau qu'il voulait le montrer (en format 33t ça flashait encore pire).
Je vois pas d'autre solution ...

http://desencyclopedie.wikia.com/wiki/Phil_Collins

Voilà voilà :)

Plusieurs interprétations sont possibles :

Choc des cultures: L'album est une rencontre entre la musique afro-américaine (funk, soul) et la folk progressive française. La pochette, avec cette image contrastée d'une femme nue et d'un homme habillé, pourrait symboliser ce choc des cultures, cette fusion entre deux univers musicaux distincts.
Sexualisation et objectification: Cette interprétation est plus critique. Elle souligne que la nudité de la femme est utilisée de manière à la réduire à un objet sexuel, alors que Nino Ferrer, lui, reste habillé. Ce choix artistique peut être perçu comme sexiste et problématique au regard des normes actuelles.
Provocation et désir de marquer les esprits: Nino Ferrer était un artiste connu pour sa liberté et son originalité. Il est possible qu'il ait choisi cette image provocante pour attirer l'attention et marquer les esprits, sans forcément une intention profonde derrière.
Il est important de noter que ces interprétations ne s'excluent pas mutuellement. Chaque auditeur et observateur est libre de forger sa propre opinion sur cette image, en fonction de ses sensibilités et de son contexte culturel.

Quelques éléments supplémentaires à considérer:

Le contexte historique: L'album est sorti en 1974, une époque où les normes en matière de représentation de la femme étaient différentes. Ce qu'on pouvait considérer comme provocateur à l'époque peut être jugé différemment aujourd'hui.
Le point de vue de Radiah Frye: Il serait intéressant de connaître l'avis de Radiah Frye sur cette image, qui était une femme forte et indépendante. A-t-elle accepté de poser nue par choix, ou s'est-elle sentie contrainte ?
L'intention de Nino Ferrer: Malheureusement, nous n'avons pas accès aux pensées de Nino Ferrer au moment de la création de cette pochette. Seules ses œuvres et les témoignages de ses proches peuvent nous éclairer sur ses intentions.
En conclusion, la pochette de "Nino and Radiah" reste une énigme. Elle suscite des débats et des interrogations qui témoignent de la complexité de l'œuvre de Nino Ferrer et de la manière dont nous percevons l'art et la représentation du corps aujourd'hui.

Elle est avant cette mise à nu une chanteuse, poétesse, parolière et mannequin d'origine américaine.
Comédienne elle l'est dans des films érotiques comme Emmanuelle, Madame Claude et Spermula...

Maintenant reprenons cette citation de Paul Valéry : Le nu n'a en somme que deux significations dans les esprits : tantôt le symbole du beau et tantôt celui de l'obscène.

Je "penche" vers le beau.

A moi aussi, grand fan de Nino Ferrer, cette pochette pose question depuis longtemps. Elle me semble inévitablement racoleuse (nudité de la femme uniquement) et sexiste (l'homme est habillé). Elle ne ressemble nullement à Nino Ferrer. Je pense plus à une sorte "d'erreur" qu'à une volonté consciente d'utiliser la nudité de Radiah.
Je ne peux aussi m'empêcher de penser à la couverture de l'album expérimental TWO VIRGINS, de John Lennon et Yoko Ono. Là, iels étaient tou·te·s les deux nu·e·s, sexes bien visibles. Rien de commercial et un vrai message, quelque chose comme "liberté et égalité des sexes". Pochette censurée immédiatement.
John a su, sur coup là, être beaucoup plus cohérent que Nino.
Mais j'adore ces deux là. Et je le redis: la pochette de cet album ne ressemble pas à Nino, artiste sincère et fraternel, toujours inventif et curieux.
Bien sur, cette pochette choque plus 50 ans plus tard, car on est plus conscient du sexisme qui s'y trouve.

Parce que nous étions alors toujours sous le joug de l'ignoble société patriarcale. Et tout le monde s'en portait très bien :-)

La véritable question est:
Pourquoi Nino FERRER est il habillé?

Nino nu et Radiah habillée ça aurait eu de la gueule aussi je pense. Les deux à poil aussi, et même ça aurait évité ce genre de polémique minable (même si à l'époque on ne pouvait pas deviner qu'on deviendrait aussi cons en aussi peu de temps). Ce qui me dérange surtout, perso, c'est que cette photo ne reflète en rien le contenu de l'album. Je ne pense pas que Nino Ferrer ait eu son mot à dire au sujet de la pochette... déjà il a du s'estimer heureux d'être publié par CBS et de préserver sa liberté artistique. Le reste n'est que marketing, une science pour le moins approximative et éphémère.

Oui, c'est étonnant : l'homme, blanc, habillé, la femme, noire, nue, dans une posture "accorte", comme réduite au stade d'objet sexuel … pas très "baba cool", en fait.
Dérangeant, pour ainsi dire.

Mouais...

Un rapport à la nudité différent et plus libre dans les 70s, sans doute. Mais là, c'est surtout une belle pochette racoleuse où le mâle dominant, lui, reste habillé.
Je ne sais pas si c'est supposé symboliser l'amour et la liberté, mais on est bien plus à mon sens dans un imaginaire érotique très masculin, pour un public qui l'est tout autant.

Je préfère encore le délire baroque et provocateur (mais tout aussi misogyne) de la pochette d'Eletric Ladyland où l'on retrouve plus nettement une sorte d'imagerie hippie en roue libre.

C’est tout à fait raccord avec l’epoque On était libre dans sa tête dans les années 70.
Pas du tout la même vue sur le féminisme qu’aujoud’hui.
La nudité (surtout féminine) était non choquante, participait au mouvement « je suis libre », «  je fais ce que je veux de mon corps »
De très nombreux exemples illustrent cet état d’esprit au cinéma de cette période.

Ses vêtements ont été dévoré par des mites mâles mutants. Question essentielle merci de la poser.