Par curiosité, je suis allé sur toituyau l'écouter, et je ne vois rien d'autre qu'une chanson typique du style de Level42 pareille à elle-même. J'ai envie de dire que c'est loin d'être la seule chanson dans ce cas, c'est juste la façon de composer de MK. Lesson. In Love me fait le même effet (entre autre).

@Baker : "Two hearts collide" a en effet à la fois du bon et de l'agaçant ; du bon : mélodiquement (comme je le disais précédemment, avec son art subtil de "contourner" la mélodie), mais aussi agaçant car c'est le titre le plus typé "80s" de la galette avec ses overdubs dans tous les sens et sa batterie ultra-réverbée.
Dans cet album j'adore vraiment "Take a look", "Silence", "Over there" et le plus progressif "Man".
Par contre la très pompeuse chanson-titre me saoûle.

C'est assez rigolo car Staring est mon album préféré des L42, mais la dernière fois que je l'ai écouté, c'est ce titre qui m'a le moins plu. Cependant, à l'époque, j'avoue que je l'adorais, je l'avais même repris. C'est donc qu'il doit bien avoir quelque chose, un truc en plus effectivement.

Le plus étonnant est que la chansopn "far Away" était déjà jouée lors de la tournée "lonesome crow" mais n'est créditée que par les frères Scenker et Klaus Meine, et non par le groupe de 1972 en entier...

Si j'en crois ce que j'ai pu lire à ce propos, concernant la compo "Fly To The Rainbow", celle-ci aurait d'abord été composée par Michael Schenker avant son départ de SCORPIONS et ensuite complétée par Uli Jon Roth. D'où cette double signature...

Arf! Ils auraient pu donner plus de précisions dans le livret, ça prête à confusion avec les frères Schenker.

Merci beaucoup pour ta réponse Léo:)

On trouve trois morceaux co-signés avec Michael Schenker sur l'album Fly To The Rainbow:

- "Fly People Fly" (musique: Michael Schenker, paroles: Klaus Meine)
- "Far Away" (musique: Michael et Rudolf Schenker, paroles: Klaus Meine)
- "Fly To The Rainbow" (musique: Michael Schenker, paroles et sans doute une partie de la musique: Uli Roth)

Il y a de fortes probabilités que ces morceaux aient été élaborés avec Michael Schenker avant son départ des SCORPIONS et que le groupe ait choisi de les enregistrer avec son successeur Uli Roth, plutôt que les laisser de côté.

Pour le morceau-titre "Fly To The Rainbow", sans doute n'y avait-il pas encore de texte à l'origine lorsque la musique fut composée et une fois que Roth a intégré la formation, il a pu être inspiré par le morceau et créé un texte qui lui convienne, tout en ajoutant des parties instrumentales qui n'existaient pas encore (je pense en particulier à la seconde partie du morceau et son final qui ne peuvent provenir que de Roth).

C'est comme ça que je vois la chose, car à mon avis, ce titre n'a pas été fait en commun au même moment (Michael étant parti en tournée avec UFO, qui l'a engagé au pied levé dix mois avant l'enregistrement de Fly To The Rainbow).

Les pochettes des albums de Robin Trower dans les années 70 sont faites de la même façon. Quel est cet artiste ?

The Republic Designers pour les pochettes du label électro WARP.

quand on y pense c'est souvent le même style : theme fantastique et couleurs assez tapantes.

Dan Seagrave pour beaucoup d'albums de Death Metal des années 90 (Malevolent Creation, Suffocation, ...)

Par Olofsson pour beaucoup de pochettes de death technique (Spawn Of Possession, The Faceless...)

@ super itule
Absolument, ma mémoire me trahit, il s'agit d'Abdul Mati Klarwein. Merci à toi.

Et pendant que j'y suis: un seul T à MOLLY HATCHET.

Et pendant qu'on y est:
- Mark Wilkinson pour MARILLION/FISH/JUDAS PRIEST
- Doug Johnson pour PRIEST (la triplette Vengeance/Defenders/Turbo).

@Jasper c'est plutôt Mati Klarwein

Mark wilkinson: Marillion, Fish...mais aussi un peu de Judas Priest et Iron Maiden

Andreas Marshall avec Blind Guardian, Grave Digger, In Flames,Destruction, Hammerfall, Kreator, Obituary, Sodom et de nombreuses autres illustrations.

Edward J.Repka avec Megadeth ou Death, pour citer ses plus connues.

Travis Smith, un de mes préférés, avec Amorphis, For My Pain, To/Die/For, Iced Earth, Opeth, Katatonia, Devin Townsend, Anathema, Novembre, Overkill etc...

Dave Patchett avec ses monstrueuses illustrations de Cathedral.

Seth Siro Anton: Septic Flesh, Draconian, Moonspell, Paradise Lost, Belphegor etc...

Il y en a d'autres, ceux ci me sont venus à l'esprit en lisant la question.

Dans les années 70, Barney Bubbles a créé des pochettes d'albums pour HAWKWIND puis à la fin de la décennie, il s'est associé au label Stiff Records et à la vague punk/new wave pour laquelle il a dessiné des pochettes (DEVO, NICK LOWE, THE DAMNED, ELVIS COSTELLO, IAN DURY, GENERATION X....).
À la fin des années 70, début des années 80, Malcolm Garrett pour le compte de la société Londonienne Assorted iMaGes a créé nombre de pochettes de disques pour des artistes issus de la scène post-punk/new wave comme les BUZZCOCKS, MAGAZINE, THE HUMAN LEAGUE, SIMPLE MINDS, JOHN FOXX, DURAN DURAN.....
À la même époque, Peter Saville (en partie influencé par les travaux de Malcolm Garrett) était connu pour avoir conçu des pochettes pour le label Factory qui regroupait les artistes JOY DIVISION, NEW ORDER, A CERTAIN RATIO, MARTHA AND THE MUFFINS mais également pour d'autres artistes (signés sur d'autres labels) comme ORCHESTRAL MANOEUVRES IN THE DARK, ROXY MUSIC, ULTRAVOX....
De 1983 à 1988, Vaughan Oliver et Nigel Grierson ont créé 23 Envelope qui concevait les pochettes pour le label 4AD et leurs artistes COCTEAU TWINS, MODERN ENGLISH, THIS MORTAL COIL, XMAL DEUTSCHLAND, COLOURBOX, DIF JUZ....

Andy Vella et Porl Thompson (guitariste du groupe) de Parched Art. Ils ont fait la quasi totalité des visuels des pochettes de The Cure.

- Jim Fitzpatrick pour THIN LIZZY
- Maty Kleiman pour la période Miles DAVIS électrique
- Reid Miles pour la quasi totalité du catalogue Blue Note de la grande époque.
- Frank Frazetta pour MOLLY HATCHETT

Derek Riggs pour les superbes(si l'on aime l'univers fantastique du groupe)premières pochettes d'IRON MAIDEN.

ah ok pas grand rapport avec yello du coup
merci

J'ai écouté l'extrait en question et il s'agit du morceau "Under The Lights" du groupe SHRIEKBACK, tiré de l'album Jam Science paru en 1984.

je reessaye parfois on sait parfois pas. il s'agit de la premiere chanson
https://drive.google.com/file/d/1K7reuKRnBJ85GyJrvwPLuT3-IfPHpvli/view

Hello!
Au début des années 80, il y avait des tas de formations 'new wave' avec chanteurs à la voix grave, donc cela risque d'être compliqué de deviner ce que tu recherches (surtout sans en écouter un extrait au préalable). Essaye toujours les groupes TUXEDOMOON (de San Francisco), MECANO (groupe Hollandais à ne surtout pas confondre avec le groupe de variétoche Espagnol),ou MINIMAL COMPACT (originaire de Tel-Aviv mais basé à Amsterdam puis en Belgique). Le mieux serait que tu te crées un compte sur un forum de recherches comme watzatsong.com/fr sur lequel tu peux publier un échantillon de la chanson que tu auras extrait de ta cassette afin que d'autres utilisateurs te donnent une réponse. Cela me paraît la solution la plus simple !

Perso j'ai jamais compris cette "mise à jour" des pochettes de ses albums, d'autant plus que c'est les enregistrement originaux.

Je n'aime pas du tout les pochettes d'albums de Phil Collins non plus.
Mais le PIRE, ce sont ces affreuses nouvelles pochettes, sur les rééditions des albums de Phil Collins, où on voit la tête du Phil Collins d'aujourd'hui, donc avec les rides en plus.
Quel intérêt de refaire ces pochettes, avec sa tête d'aujourd'hui ?
C'est encore plus moche !

Dans les années 80 je suppose que c'était courant de confondre les production de Phil Collins avec Genesis et celles en solo. Peut être faisait il ça pour insister sur le fait que c'était ses albums à lui.

Peut être a-t-il voulu faire ainsi la différence avec les albums de Genesis, dont les pochettes étaient en général très conceptuelles dans les années 70, exception faite des deux "live" ...

Cette pochette (de l'album "Face Value") fut sa première. Je pense que pour garder un fil conducteur, Phil a poursuivi le concept de ses pochettes, en changeant seulement d'angle de photo. J'y vois à la fois un trait d'humour et une certaine simplicité.
En fait il n'y a que "Dance into the light" qui ne le représente pas en gros plan.
Face Value : gros plan de face,
Hello I must be going : de profil avec fond bleu,
No jacket required : légèrement en contre-plongée, visage rouge et fond noir,
But seriously : de trois-quarts, regardant vers le bas, fond noir,
Both sides now : de moitié, fond beige clair,
Dance into the light : la seule exception : on le voit en entier, fond orange,
Testify : semblable à face value mais "plus loin" et en couleur...

Bah j'imagine que, nombriliste il s'admirait dans la glace chaque matin en se disant "Phil t'es le plus beau, t'as la classe mondiale, t'as du talent, t'es un killer..." :-D ! Et puis on est jamais mieux servi que par soi-même donc autant s'auto-congratuler et mettre sa tronche sur les pochettes ! Non ?

Bon blague à part je ne sais pas trop, mais partons de l'hypothèse qu'il y a un but commercial. En se mettant systématiquement en pochette sans mise en scène il se dit : les gens me voient, me connaissent, ils savent qu'ils achètent un disque de Phil Collins sans même avoir besoin de lire le nom. Comme d'autres chanteurs d'ailleurs, les exemples foisonnent !

C'est un concept auto cohérent : photo du visage (selon des angles différents), écriture manuscrite, titres d'albums curieux ("Salut ! je m'en vais tout juste", "Pas de veste requise", "...mais sérieusement"). Il y a des exceptions dans sa disco ("Dance into the light", "Going back", encore que ce dernier...) mais dans l'ensemble, c'est cohérent.

Bah, faut être réaliste : quand, à même pas 20 ans, tu integres ce qui deviendra un des plus grands groupes de rock progressif, tout en étant considéré comme un des meilleurs batteurs de rock, et participant assez bien aux compositions; quand apres le départ de Peter Gabriel, tu reprends son rôle et que tout passe crème et que dans les années 80 tu transformes un des groupes piliers du rock prog en machine à tube, tout en étant soi-même une machine à tube pour ton compte personnel en parallèle, bah ça n'aide pas à être modeste.

"Est-il pingre au point de ne pas vouloir embaucher aucun concepteur digne de ce nom ?"

Peut-être qu'après les "magnifiques" pochettes d'Abacab et de Duke, Philou a estimé que, quitte à faire une pochette naze, autant qu'elle ne coûte pas cher...

Disons qu'il a, comme la plupart des gens, moi compris, un physique banal, passe-partout. Cela le rend plutôt sympathique, finalement.
Le plus important reste néanmoins la musique. Mais c'est vrai qu'on peut avoir du mal à comprendre la choix de ces pochettes (ça fait un peu nombriliste, je trouve). Mais en même temps, Johnny Cash (pas non plus un sex-symbol), Elvis... il me semble avoir tout le temps vu leurs binettes en couverture.

Certains de ses disques émanent d'un fort contexte personnel (ruptures conjugales, naissance d'un enfant...), il est donc non pas logique mais pas étonnant que Phil Collins nous montre sa tête. Ensuite, vous remarquerez que chaque pochette a une couleur différente qui reflète aussi plus ou moins le ton de l'album : triste pour Face Value, bouillonnant pour No Jacket Required, enjoué pour Dance Into the Light, tendre pour Testify (le bleu du polo évoquant selon moi le bonheur amoureux et la naissance de l'enfant).

Après, que Phil ne soit pas particulièrement beau... Tout est relatif, à 20 ans il était plutôt good-looking (et sa fille Lily "Blanche Neige" en a bien hérité), et son look actuel me parait plus naturel que celui de Peter Gabriel.

@Walter Smoke. J'ai lu. C'est très clair(semé) pour moi, et j'ai bien rigolé d'ailleurs (merci)!
P.S : je viens de me rendre compte que moi aussi j'ai les premiers symptomes de la Philcollinie ! je vais consulter ! Au poil !

Aucune attaque de ma part, RED ONE. juste une interrogation. Et puis, la comparaison ELVIS et PHIL COLLINS... ELVIS était un pur sex-symbol, ce qui n'est pas vraiment le cas de COLLINS, qui n'a jamais prétendu cela non plus (et heureusement, il est réaliste : petit, chauve...). Non! comparaison n'est pas raison !

Je ne suis pas un grand amateur des oeuvre solo de Phil Collins, mais je trouve que ses pochettes d'albums sont cohérentes : son visage sous différents angles (à l'exception d'un ou deux albums), toujours la même police d'écriture manuscrite ... C'est très cohérent, un amateur peut s'y retrouver assez aisément.

Je pense qu'il est inapproprié d'attaquer Phil Collins sur le côté "égocentrique" de ses pochettes d'albums. Il n'est pas du tout le seul à procéder (ou à avoir procédé) de la sorte. Vous vous rappellez les pochettes d'Elvis ? Dans le grand monde de la variété (auquel appartient Phil Collins), ce genre de visuel est assez récurrent, voir même trop. Phil Collins semble avoir tiré partie de cette mode et propose un ensemble visuel cohérent et tout de suite identifiable. Moi, ça ne me choque pas. Et pourtant je ne suis pas fan, je le répète encore.

Il se trouvait tellement beau qu'il voulait le montrer (en format 33t ça flashait encore pire).
Je vois pas d'autre solution ...

http://desencyclopedie.wikia.com/wiki/Phil_Collins

Voilà voilà :)

Plusieurs interprétations sont possibles :

Choc des cultures: L'album est une rencontre entre la musique afro-américaine (funk, soul) et la folk progressive française. La pochette, avec cette image contrastée d'une femme nue et d'un homme habillé, pourrait symboliser ce choc des cultures, cette fusion entre deux univers musicaux distincts.
Sexualisation et objectification: Cette interprétation est plus critique. Elle souligne que la nudité de la femme est utilisée de manière à la réduire à un objet sexuel, alors que Nino Ferrer, lui, reste habillé. Ce choix artistique peut être perçu comme sexiste et problématique au regard des normes actuelles.
Provocation et désir de marquer les esprits: Nino Ferrer était un artiste connu pour sa liberté et son originalité. Il est possible qu'il ait choisi cette image provocante pour attirer l'attention et marquer les esprits, sans forcément une intention profonde derrière.
Il est important de noter que ces interprétations ne s'excluent pas mutuellement. Chaque auditeur et observateur est libre de forger sa propre opinion sur cette image, en fonction de ses sensibilités et de son contexte culturel.

Quelques éléments supplémentaires à considérer:

Le contexte historique: L'album est sorti en 1974, une époque où les normes en matière de représentation de la femme étaient différentes. Ce qu'on pouvait considérer comme provocateur à l'époque peut être jugé différemment aujourd'hui.
Le point de vue de Radiah Frye: Il serait intéressant de connaître l'avis de Radiah Frye sur cette image, qui était une femme forte et indépendante. A-t-elle accepté de poser nue par choix, ou s'est-elle sentie contrainte ?
L'intention de Nino Ferrer: Malheureusement, nous n'avons pas accès aux pensées de Nino Ferrer au moment de la création de cette pochette. Seules ses œuvres et les témoignages de ses proches peuvent nous éclairer sur ses intentions.
En conclusion, la pochette de "Nino and Radiah" reste une énigme. Elle suscite des débats et des interrogations qui témoignent de la complexité de l'œuvre de Nino Ferrer et de la manière dont nous percevons l'art et la représentation du corps aujourd'hui.

Elle est avant cette mise à nu une chanteuse, poétesse, parolière et mannequin d'origine américaine.
Comédienne elle l'est dans des films érotiques comme Emmanuelle, Madame Claude et Spermula...

Maintenant reprenons cette citation de Paul Valéry : Le nu n'a en somme que deux significations dans les esprits : tantôt le symbole du beau et tantôt celui de l'obscène.

Je "penche" vers le beau.

A moi aussi, grand fan de Nino Ferrer, cette pochette pose question depuis longtemps. Elle me semble inévitablement racoleuse (nudité de la femme uniquement) et sexiste (l'homme est habillé). Elle ne ressemble nullement à Nino Ferrer. Je pense plus à une sorte "d'erreur" qu'à une volonté consciente d'utiliser la nudité de Radiah.
Je ne peux aussi m'empêcher de penser à la couverture de l'album expérimental TWO VIRGINS, de John Lennon et Yoko Ono. Là, iels étaient tou·te·s les deux nu·e·s, sexes bien visibles. Rien de commercial et un vrai message, quelque chose comme "liberté et égalité des sexes". Pochette censurée immédiatement.
John a su, sur coup là, être beaucoup plus cohérent que Nino.
Mais j'adore ces deux là. Et je le redis: la pochette de cet album ne ressemble pas à Nino, artiste sincère et fraternel, toujours inventif et curieux.
Bien sur, cette pochette choque plus 50 ans plus tard, car on est plus conscient du sexisme qui s'y trouve.

Parce que nous étions alors toujours sous le joug de l'ignoble société patriarcale. Et tout le monde s'en portait très bien :-)

La véritable question est:
Pourquoi Nino FERRER est il habillé?

Nino nu et Radiah habillée ça aurait eu de la gueule aussi je pense. Les deux à poil aussi, et même ça aurait évité ce genre de polémique minable (même si à l'époque on ne pouvait pas deviner qu'on deviendrait aussi cons en aussi peu de temps). Ce qui me dérange surtout, perso, c'est que cette photo ne reflète en rien le contenu de l'album. Je ne pense pas que Nino Ferrer ait eu son mot à dire au sujet de la pochette... déjà il a du s'estimer heureux d'être publié par CBS et de préserver sa liberté artistique. Le reste n'est que marketing, une science pour le moins approximative et éphémère.

Oui, c'est étonnant : l'homme, blanc, habillé, la femme, noire, nue, dans une posture "accorte", comme réduite au stade d'objet sexuel … pas très "baba cool", en fait.
Dérangeant, pour ainsi dire.

Mouais...

Un rapport à la nudité différent et plus libre dans les 70s, sans doute. Mais là, c'est surtout une belle pochette racoleuse où le mâle dominant, lui, reste habillé.
Je ne sais pas si c'est supposé symboliser l'amour et la liberté, mais on est bien plus à mon sens dans un imaginaire érotique très masculin, pour un public qui l'est tout autant.

Je préfère encore le délire baroque et provocateur (mais tout aussi misogyne) de la pochette d'Eletric Ladyland où l'on retrouve plus nettement une sorte d'imagerie hippie en roue libre.

C’est tout à fait raccord avec l’epoque On était libre dans sa tête dans les années 70.
Pas du tout la même vue sur le féminisme qu’aujoud’hui.
La nudité (surtout féminine) était non choquante, participait au mouvement « je suis libre », «  je fais ce que je veux de mon corps »
De très nombreux exemples illustrent cet état d’esprit au cinéma de cette période.

Ses vêtements ont été dévoré par des mites mâles mutants. Question essentielle merci de la poser.

Ils n'ont jamais vraiment réussi à cartonner de leur vivant. "Loaded" a peut-être eu un peu plus de succès, mais rien de monumental non plus...

C'est le manager des Yardbirds, Giorgio Gomelsky, qui a trouvé ce surnom à Eric Clapton, dans les années 60' car ce dernier remplaçait les cordes de sa guitare qu'il cassait durant un concert, ce qui rendait le public impatient. En réponse, ce dernier frappait lentement des mains. Je ne sais en revanche pas s'il s'agit d'une légende...

Le terme est controversé, effectivement. Je pense que "Groove" évoque "un certain sens du rythme", à savoir une certaine pulsation, vrombissement (ronflement ?) de la part (entre autres) du duo basse/batterie.

J'ai lu vos échanges avec attention. Merci pour les apports des uns et des autres, et la question posée à l'origine du débat.

Okay DS, pas de souci! Je te prie de m'excuser.
Non, non, pas de discord pour moi:)

@ Diniced : oui, je suis tout à fait d'accord avec toi, certaines appellations dans le Metal sont un peu trop capillotractées ! Mais bon, on va dire que ça fait partie du folklore.

Petite précision au sujet du terme 'Groove' : à la base, c'est un terme assez vague, qui évoque juste un 'ressenti' par rapport au rythme, ainsi, n'importe quel rythme peut avoir son propre groove. La page wiki en anglais explique bien ça, je trouve. Ce n'est que plus tard que des définitions un peu plus précises se sont basées sur de la théorie de solfège rythmique, et c'est bien sûr à partir de ça qu'on va commencer à expliquer pourquoi tel genre groove plus qu'un autre.

@ Clansman : je suis tout à fait zen. En revanche, je te trouve un chouilla 'gonflé' de critiquer une longue réponse argumentée juste parce que ça ne va pas dans ton sens, même si je te concède que j'ai du mal à ne pas parler de façon 'directe' par écrit. Je ne suis ni prof ni chroniqueur (je me considère comme un fan (très) critique qui aime donner son avis et faire connaître des choses, mais clairement pas un vrai chroniqueur, je suis d'ailleurs bien peu productif). En revanche, je veux comprendre les choses (la vie est faite pour apprendre), explorer l'histoire de la musique Rock et moderne, et j'aime aussi en jouer (et pas que du Metal d'ailleurs). Les notions rythmiques me parlent plus désormais car je prends des cours de batterie depuis un an, justement parce que j'avais des lacunes et j'ai un peu pris le taureau par les cornes.
Enfin, l'écrit n'est pas toujours la meilleure façon de discuter, cela peut donner une fausse impression des gens. Si tu veux discuter de façon plus dynamique, le discord de Nightfall te tends les bras.

À DS :
Réponse complète et bien détaillée, tu aurais pu finir par CQFD :) ce que tu expliques est convaincant.
C'est juste que pour moi, le terme "groove" est mal choisi. J'ai le même problème avec le RNB. Rythme OK, et Blues ? Que reste-t-il du Blues quand tu entends Beyoncé, la Reine du RNB, chanter ? Pas évident quand pour un gars comme moi, le Blues, c'est John Lee Hooker par ex. Évidemment il y a sûrement une explication comme pour le Groove Metal.
N'empêche, dans le monde du metal, on a du Nintendocore, du Slam Porngrind et même du Whitemetal en opposition au Black. Blackmetal = Satan, Whitemetal = Chrétien. Peut-être que je ne t'apprends rien mais avoue quand même que c'est drôle, non ?

Okay DS, merci pour cette leçon, j'en prends note:D
Sur cet avis imposé, comme souvent venant de toi, je vais donc m'incliner et changer mon avis sur le sujet, car il vaut tellement mieux que le mien.
C'est pas pour rien que vous êtes chroniqueurs, bravo!

Plus sérieusement: est-ce que c'est tellement compliqué de répondre de manière zen sans faire son petit prof, "je suis chroniqueur alors j'ai forcément raison et c'est comme ça et pas autrement?"

Pas grave, mais bon... Pfiou quand même!

Quand tous les grands sites de musique/Metal internationaux qualifient un groupe de Groove Metal c'est qu'il y'a une raison, ce n'est pas une simple fantaisie. Ce n'est pas depuis "ces derniers temps" que MACHINE HEAD est qualifié de Groove Metal mais depuis de nombreuses années. Le souci c'est que le terme Groove Metal s'est imposé tardivement en France (dans les années 2000, donc ce n'est pas tout récent non plus) alors qu'il était déjà utilisé à l'étranger, et la France a longtemps été plus ou moins à la ramasse pour qualifier les styles et en a inventé pas mal (Big Rock et Hard FM pour les plus anciens, personnes n'utilisaient ces termes chez les anglophones !), les choses s'améliorent heureusement.

Le Groove Metal est avant tout un dérivé du Thrash Metal, donc il n'est pas étonnant d'y entendre beaucoup de sonorités Thrash. C'est donc du Thrash qui Groove et c'est une réalité. Souvent moins Speed, le Groove Metal utilise des structures rythmiques caractéristiques de toutes les musiques qui groovent en général : beaucoup de contretemps, de syncopes etc... C'est valable pour tous les styles et il n'y a pas de raison que ça ne s'applique pas non plus au Metal. Le Metal est avant tout une question de sons et d'interprétation. Mais un motif rythmique croche-double croche donnera le même effet de cavalcade qu'il soit joué par IRON MAIDEN ou par THE SHADOWS. Donc un motif rythmique typique qui fait groover fonctionnera également quand il sera utilisé par un groupe de Metal, même s'il sera peut-être plus difficilement discernable à cause d'éléments caractéristiques du son Metal : son aspect massif et agressif qui peut temporairement masquer de prime-abord l'effet groove, donc tout le monde n'y sera pas sensible de la même manière.

C'est difficile à l'expliquer sans l’illustrer par une partition mais un album comme "The More things Change" est rempli de motifs groovy à la guitare. Et c'est beaucoup plus complexe que chez AC/DC. Chez ces derniers, la guitare va souvent apporter du groove en plaquant des accords sur des contretemps ou des temps faibles par rapports à une batterie qui elle reste la plupart du temps très binaire et droite. Chez MACHINE HEAD tout le monde groove tout en conservant une certaine complexité des riffs hérités du Thrash. Et le groupe va beaucoup insister là-dessus. Il se distingue indéniablement du Thrash Metal des 80s. Après le groupe a bien sur largement flirter aussi avec le Néo-Metal selon les époques, mais comme tous les groupes de Groove Metal l'aspect Thrash est toujours resté bien plus présent chez MACHINE HEAD.

Après, n'étant pas fan de MACHINE HEAD, il est bien possible que l'aspect Groove ait diminué avec le temps.

Mais bref, ce n'est pas parceque les autres styles ne sont pas désignés sous le terme de "Groove" qu'ils ne groovent pas, mais le Groove Metal lui groove bien plus que le Thrash, que le Power, que le Heavy Traditionnel etc.


Enfin des groupes de Groove Metal y'en a beaucoup, c'est loin d'être un style de niche. Après comme je n'aime pas à part quelques albums de PANTERA ou SEPULTURA je ne vais pas faire de liste.

Enfin dernière chose, si, les étiquettes ont leur utilité. Certes parfois ça va trop loin ou ça peut sembler risible, mais si tu mets 2 musiciens dans la même pièce et que l'un demande à l'autre de lui jouer une rythmique Groove metal, une rythmique Doom ou une rythmique Djent, soit pas du tout la même chose, bah il faut savoir se comprendre un minimum. Là encore, c'est quelque chose d'assez universel en musique. L'abondance d'étiquettes dans le Metal ne prouve qu'une chose : la richesse de ce genre.

Re-dernière chose : quand on parle de groove dans la musique car ça donne envie de "danser", ce qu'il faut comprendre c'est surtout que ça donne envie de "bouger", la danse n'étant qu'une façon parmi d'autres d'exprimer ce besoin. Remuer la tête, headbangé, c'est être "dans le groove".

Oui tout à fait, pour moi aussi c'est plus une sorte de Thrash Metal 90's, ou du Thrash modernisé. On causait de Power Metal aussi, d'autres de Power Thrash.
Voilà, on est d'accord sur le Néo qui remue davantage son petit corps:D
Bon, j'évite de sautiller partout désormais, mais c'était fun de le faire étant gamin, possible que ça puisse être considée comme un sport:D
Et oui, certaines étiquettes sont rigolotes, voire dénuées de sens, elles en avaient plus il fut un temps.A mon avis hein.
Il faut que je me refasse une petite cure de Metal, ça fait 3 mois que je délaisse ces joyeux drilles. Ou juste une parenthèse avec Pyracanda que j'avais découvert en Octobre. Vraiment chouette par ailleurs:)

Wikipédia décrit le groove metal comme post-thrash. Il reprendrait l'intensité et les caractéristiques sonores sur un tempo modéré.
Je devais avoir 16 ans quand Burn My Eyes est sorti. On parlait de Thrash. PANTERA était du Thrash. SEPULTURA idem. Comprendre "Groove" = Thrash grand public. Tous les albums critiqués par les Pure Thrashers :)
Je réécoute justement du Neo depuis quelques semaines. J'ai adoré Korn, Deftones, System,... j'aime moins aujourd'hui, je trouve que la musique est moins remplie, il semble y avoir des vides. Mais je comprends ce que tu veux dire par groove. Effectivement ça groove plus que le groove metal. Et tu mets le doigt sur un aspect du metal risible à mon sens. Ces étiquettes qui ne veulent plus rien dire. Un chant Death sur des guitares sous-accordées accompagnées de violons et un solo de flûte sur 2 pistes de l'album ? C'est du classico-death-folklorique à tendance prog. Alors si en plus tu as une piste cachée avec un riff qui groove sur un chant hip-hop... haaaaaa ! Du hip-hop ! Au secours !!!

Par gros son, j'entends groupes de Hard et Metal en prenant soin de citer ceux qui selon moi groovent.
A mon sens, les anciens groovent davantage, du moins parmi ma petite liste.
Et le moins ancien, à savoir Cathedral... Petit son? Vraiment?

Mais sérieusement, Korn, Coal Chamber, Disturbed, par exemple, ne sont pas classés Groove Metal et ils groovent beaucoup plus non?
Justement, secouer la tête ou headbanguer ne rentre pas dans la catégorie Groove à mon sens.
Groove: je tape du pied, je bouge le bassin ou je danse.

Sorry, mais c'est vraiment une étiquette qui me fait rire.

Tout est question de référence et de comparaison je pense.
Si tu écoutes différents styles de metal, effectivement MACHINE HEAD groove. En comparaison d'un ABORTED ou un NILE par exemple. MACHINE HEAD ne donne pas envie de danser mais on peut facilement headbanger sur les chansons. Elles sont souvent reconnaissables dès le 2ème écoute de l'album. Elles sont d'ailleurs construites sur un schéma relativement "commercial". Intro, couplet, refrain, solo, refrain plus fort, etc. Je pense même que MACHINE HEAD est une excellente porte d'entrée dans le monde du metal. Si tu écoutes bien, les riffs donnent l'impression de rebondir, la basse, la batterie accompagnent la musique de manière à l'entraîner de façon presque naturelle. Tu cites des groupes de Rock, Hard Rock, Pop Rock, qui groovent dans leur branche. Tu parles de gros son. C'est très subjectif. Pour moi, les groupes que tu cites sont dans la catégorie "petit" son.
Le Death, le Black, le Brutal et le Slam te donneront l'impression d'un mur de son écrasant l'auditeur. Quoique. Écoute FIRESPAWN, étiquette Death, ça "groove". 1349, l'album Massive Cauldron of Chaos, du Black qui "groove". Chaos AD de qui vous savez, Thrash qui groove. Disons que MACHINE HEAD, PANTERA, SOULFLY, LAMB OF GOD, groovent à tous les albums. Et dans le monde du metal.
Je pense que l'étiquette "Groove" est assez difficile à illustrer dans le fond. Elle est plus représentative d'un rythme que d'un genre.

Bonjour,

Il s'agit de la version Canadienne.
BàV

Sans oublier Vanilla Fudge, dont la face B de l'album "Near the beginning" est constituée d'un seul morceau enregistré en live.

Et que dire des Sonerien Du... Je crois que je vais m'atteler à chroniquer certains de leurs disques

Je ne suis pas expert mais voici mon ressenti et mes choix

-le renouveau de la musique celtique en France est apparu avec l'album "Again" de Alan Stivell. Mes préférés de cet artiste sont "Tir na nog" pour sont effet hypnotisant,
"Renaissance de la harpe celtique" pour son bond dans le passé (ambiance flambée), "The Mist Of Avalon" pour le voyage dans le monde d'Arthur Pendragon.
Puis "again", "Brian Boru", "Back to Breizh", "Emerald" pour coller à notre époque sans trahir.

De Lorena McKennit, mon préféré de loin, c'est "The Mask and Mirror".

Dans le genre "Renaissance de la harpe celtique", il y a l'album de Myrdhin "Harpe celtique instrumentale" (1992)

Pour le style guitare irlandaise, le génial John Rembourn avec par exemple "The Black Balloon", "A Maid in Bedlam", "The Nine Maidens", et bien d'autres encore...

Côté musique Classique Celtique, Shaunw Davey avec "The Brendan Voyage".

Pour la Uillean Pipes, Davy Spillane et le très bon "Pipedreams" pour un son moderne,

ou l'artiste Gerry Mc Fadden pour du plus traditionnel

Sinon, pour le band traditionnel Irlandais énergique, The Bothy Band avec "Old You Have kill me" ou "Out of the Wind into The Sun".

Pour découvrir la voix irlandaise, La Lugh "Senex Puer"

et encore tant d'autres choses à découvrir (Gwendal, Capercaille, Steeleye Span, Leslie Penning, Altan...

YF KEMENER, tout avec Squiban ou Ripoche... : la Bretagne réelle, populaire, avec des arrangements qui ne dénaturent pas mais constituent un écrin superbe. Entre danses et complaintes (gwerzioù). Référentiel et incontournable.

Merci beaucoup pour vos réponses, ça me fait une bonne base pour commencer!

Et en effet, je ne connais rien (hormis Loreena Mc Kennit et Dan Ar Braz un tout petit peu) dans ce qui a été cité.

Je vais écouter tranquillement tout ça et je ferai un retour.

Pour moi il n'y a pas photo, pour découvrir la musique celtique c'est Loreena Mc kennitt, album The Visit ou The book of Secrets. Du mainstream non commercial et oui. Puis Iona si tu veux du Progressif . la harpiste Cécile Corbel a fait des choses très intéressantes et modernes avec des textes en français ou anglais...chanteuse à la voix enfantine et très belle personne ( pour l'avoir vue en concert)

Côté Bretagne, dans un style plus traditionnel, je te conseille Ar Re Yaouank (commence par exemple avec les titres "An Dro Sidwell" et "Ravine"), Loened Fall (le titre "An Daou Vreur").

Un indispensable aussi : le groupe Barzaz, avec le regretté Yann-Fañch Kemener. Le second album An Den Kozh Dall est à mon avis le meilleur album de musique bretonne jamais sorti.

Je te conseille aussi d'écouter les petits nouveaux de Fleuves (groupe incroyable en fest-noz), qui modernise vraiment le genre.

Bonjour. Je ne suis pas un spécialiste de musique bretonne mais j'ai grandi en centre Bretagne et ai vu des groupes sympas à Kleguerec, Lorient et autres fest noz. Stivell dans les années 70 c'était bien (Langonned et chemins de terre). Mais je ne suis pas fan du personnage... Mon groupe préféré est Sonerien Du, rock celtique qui existe aussi depuis 50 ans. Carré Manchot et Ar Re Yaouanq sont aussi d'excellentes formations. Impossible de passer à côté de Dan Ar Braz, que j'ai vu au festival de Lorient en 1994 au côté de Rory Gallagher. S'intéresser aussi à Fairport Convention, ici présent, super groupe folk anglais, avec qui Dan Ar Braz a travaillé en 76.

Non, OK, je vois ce que tu veux dire ! Désolé !

Ben non, je ne vois pas...
de 00 à 00:59, c'est une minute
de 01:00 à 01:59, ça fait deux minutes
etc, etc
arrivé à 08:22, on est dans la huitième minute qui est entamée, mais on n'est pas encore à 9 minutes.

@Foudrock
Relis bien ma réponse : "Revolution 9" se clôt au cours de sa 9e minute". Elle dure 8'22 (exactement), donc on a bien entamé la 9e minute.
Bien à toi

Je crois que "Revolution 9" ne dure que 8,20 minutes !

Il faut lire 'Number 9 Dream', donc comme prononcé dans "Revolution 9" (Number 9, number 9, number 9...). Le rapport de Lennon avec le nombre 9 vient peut-être du fait que celui ci est né le 9 octobre (1940) même si celui-ci ne donnait aucun sens particulier à sa chanson, inspirée par un rêve. Signalons toutefois que "Revoltion 9" se clôt au cours de sa 9e minute et qu'à la base elle en durait 27, soit 3x9. Yoko est née un 18 février (1933), donc 2x9. La chanson est publiée en 1974, John et Yoko sont séparés, se retrouvent en 1975, de leur union naîtra Sean le... 9 octobre de cette même année. John est assassiné le 8 décembre à new York et meurt dans la soirée, rappelons qu'il est né à Liverpool et qu'à ce moment là la date est déjà passée au 9. Ironie du (mauvais) sort ?

A mon avis, le fait que Lennon ait choisi le chiffre 9 plutôt que 7 ou 4 est peut-être une allusion à "Revolution 9", oui.
Pour la prononciation, j'ai personnellement toujours dit "Ninth Dream", mais c'est comme tu veux tu choize.

La réponse à ta question se trouve dans le film Let It Be de 1970 (un peu du moins) et surtout dans la série docu Get Back de Peter Jackson dispo sur Disney+ ou en Blue Ray. Le Beatles se chauffaient en jouant un tas de standards de Chuck Berry, Arthur Crudup, Bob Dylan, Little Richard, Big Joe Turner, Everly Brothers... Bref, la liste est (très) longue. Ces sessions ont été filmées sans être destinées à apparaître sur album (ni dans le film initial qui en contient deux extraits parmi les dizaines dispo), d'autant plus que les gars le faisaient plus pour s'amuser, voire 'déconner' et se détendre, que réellement sérieusement et s'appliquer.

Bonjour,

Peut être faites vous référence au concert sur le toit d'Apple Records ?

Aucune info comme quoi Depeche Mode aurait été poursuivi. Mais je connaissais pas ce morceau de Cliff Richard

Dans à peu près tous.

@Nicolas Kjellson Cx : (Re)-salut !
Pour répondre à la 2ème partie de ta question : en fait, Vaughan avait bel et bien commencé le Serious Moonlight Tour, mais fut sommé de quitter le groupe à cause de ses addictions. Alomar est venu dans cette tournée, mais en solution d'urgence pour prêter main forte. Le climat n'était pas franchement chaleureux entre Bowie et Vaughan, même malgré la contribution de ce dernier à l'album. Cependant, les deux compères se sont revus des années après et tout s'est arrangé apparemment. Le temps avait fait son oeuvre.

@Nicolas Kjellson Cx : Vaughan n'intervient pas sur "Shake it", ni "Modern love"... même si sur ce dernier titre certains se demandent si les grattements de guitare en intro sont de lui ou pas...

Oui, Stevie Ray Vaughan est bien présent sur la totalité de l’album paru en 1983. Il y est crédité comme six-cordiste électrique sur les huit morceaux aux côtés de Nile Rodgers (qui en outre coproduit l’ensemble avec maitre Bowie). Inutile de préciser que la présence du texan donne des couleurs très rock à un album aux influences pop/funk bien marquées par le magicien de Chic et un reste de line up disco/funk de haute qualité. Il semble que la participation de Stevie Ray Vaughan à Let’s Dance trouve son origine lors de sa rencontre avec David Bowie au cours du festival de Montreux de 1982. À ma connaissance, Stevie Ray Vaughan n’a pas collaboré avec David Bowie plus tard. Suite à la sortie de cet album charnière dans la carrière de David Bowie, c’est un fidèle parmi les fidèles, Carlos Alomar, qui tint la guitare lors de la tournée énergique et triomphale « Serious Moonlight ».

Pour contredire (partiellement) ma réponse, je me demande si dans "Modern Love" il y a quand même une courte intervention de Vaughan : les "grattements rythmiques" (si on peut dire ainsi !) de l'intro. C'est bien une guitare qu'on entend ? "Tchkkk... tchkkk...."
Par contre, à part ça, on n'entend pas de solo de lui dans ce titre ça c'est certain.

SRV joue sur tous les titres de l'album, sauf deux : "Modern love" et "Shake it".

Il me semble bien que le cadet des Vaughan tient la gratte sur tout l'album...

bonjour, votre longue attente va être récompensée :
François Quénéchou n'est pas une figure historique ou littéraire connue. Son nom est surtout associé à la chanson "Chanson pour François Quénéchou" de Gilles Servat, un célèbre chanteur breton.

D'où vient cette chanson ?

Gilles Servat s'est inspiré d'un article du journal "Le Peuple breton" qui évoquait un ouvrier breton du nom de Quénéchou, mort de faim et de froid. Le chanteur a ensuite réactualisé cette histoire, la plaçant dans un contexte plus général de précarité sociale.

Pourquoi cette chanson est-elle importante ?

Témoignage social : Elle dénonce les injustices sociales et la misère, des thèmes récurrents dans les chansons de Gilles Servat.
Engagement politique : La chanson prend position et appelle à la solidarité.
Succès populaire : Elle a été reprise par d'autres artistes, comme Anne Vanderlove, et est devenue un classique de la chanson bretonne.

En résumé :

François Quénéchou est avant tout un symbole, une figure qui représente les plus démunis. La chanson de Gilles Servat a permis de donner une voix à ces oubliés et de sensibiliser le public à leurs difficultés.

Je crois que Jeff a évoqué ceci lorsqu'il a entendu Simon lors du concert Santana + Beck + Lukather. A vérifier dans l excellente autobiographie de Luke mais oui Jeff en avait parlé. Pas sérieusement bien sûr, mais avec le respect indu.

Les faits sont très clairs : Jeff était toujours dans le groupe au moment de sa mort, Toto entamait sa tournée "Kingdom of desire" et ils ont dû trouver un batteur remplaçant in-extremis, ce qui fut évidemment extrêmement compliqué à la fois émotionnellement et "logistiquement".
Pourquoi avoir choisi Simon ? Tout simplement car Jeff le connaissait et l'estimait beaucoup, donc ce fut naturel pour le groupe de l'appeler à la rescousse !

Bonjour,

Une première version est sortie sur le single All Day / Everyday Day (Is Halloween) en 1985, puis en version remixée sur l'album Twitch en 1986.