Ok j'ai trouvé c'était Gomez pour une pub de Philips en 2000 (j'aurais juré que c'était plus tôt que ça).
merci

Serait-ce éventuellement le groupe Astrid ?

Il y a une page Wiki pour ce titre avec la liste des groupes qui en ont fait une reprise, il y en a pas mal d’ailleurs.

Jeffrey Hammond, un des (futurs) membres du groupe. Du moins pour "A Song for Jeffrey".

Il s'agit du bassiste Jeffrey Hammond qui officia au sein de Jethro Tull de 1971 à 1975, et qui était un ami d'enfance de Ian Anderson. Les deux ont joué ensemble dans le John Evan Band dans les mid-60s, qui incluait d'autres futurs membres de Jethro Tull (John Evan, Barriemore Barlow, Mick Abrahams, Clive Bunker et Glenn Cornick). Après avoir quitté Jethro Tull en Décembre 1975, il délaissa complètement la musique et retourna à sa vocation première, artiste peintre.

Bien évidemment, comme son nom l'indique, Papa Roach est le père de Max Roach, également cousin de Steve Roach. Par contre, aucun lien de parenté officiel avec Law Roach, mais qui sait ?

Sauf s'il s'agit d'une pochette en particulier (laquelle ?) mais moi quand je vais voir sur google, le seul point commun c'est qu'il y a des instruments sur la pochette, le reste, rien à voir.

Un cas extrême connu de cette démarche était les Shadows où durant leur grande période (60-63/64) aucun single ne faisait partie de leurs albums. C'est facilement vérifiable sur Wikipedia.

Faut préciser aussi que ces comportements-là dépendent surtout des styles musicaux.
Le rock progressif privilégie évidement les albums.
L'electro c'est plus spécial, et les EP sont plus utilisés, même si les albums ont autant d'importance.
Le disco/funk, les singles et les maxi avaient plus d'importance que les albums.

Actuellement le single-cd a complètement disparu mais l'EP existe encore (cf. Porcupine Tree, Coldplay, l'electro en général, etc.).

Merci pour vos réponses! :)

Il ne s'agit pas d'une mode mais d'une évolution relative au développement de l'industrie du disque.

Avant l'éclosion des phénomênes rock, il n'y a presque que des singles au sortir de la 2eme GM. Le concept du LP ne naît réellement qu'avec les années 50. Jusqu'en 56 par exemple, Elvis est en contrat avec Sun records, il n'y sortira que des singles, c'est pourquoi on a choisît de regrouper tous ces singles dans les "suns sessions" au cours des seventies pour donner aux fans une possibilité de réunir tous les classiques de cette époque sur un même support, c'est donc un Best of.

Quand RCA rachète le catalogue, qqs LP sortent mais les "golden records", par exemple, sont le fruit d'une agglomération de 45 tours, je te renvoie à mes kros pour plus d'explications. Peu à peu le LP va prendre la place du 45 et du super 45 -4 titres- tours. Aujourd'hui, on trouve presque toute la disco sur les LP... Il s'agit donc juste de l'évolution logique de l'industrie de la musique.

Bien à toi.

Ce type de démarche ajoute aussi de l'interet aux compilations, idem pour les singles à deux version (souvent une version longue et plus élaborée ou plus calme pour les albums, et une autre version plus courte et avec plus de punch, plus direct, pour les ondes radio).
Et encore, dans les années 60 (et 50) il y avait aussi les EP, 3 ou 4 chansons sur un 45rpm ou parfois des morceaux se trouvaient ni dans les singles ni dans les albums, ils avaient même parfois un titre, c'était un peu comme un mini album à part entière.

Red One a parfaitement raison, combien de chansons des Stones, des Beatles, des Who, des Kinks ne figuraient sur aucun album ? A l'origine du rock, dans les années 50, on sortait principalement des singles (qu'on compilait en LP) puis dans les 60's les Beatles ont vraiment commencé à penser les albums comme des entités cohérentes dont le single ne faisait pas partie du disque, mais était complémentaire, de plus les maisons de disques faisaient signer des contrats qui prévoyaient la mise sur le marché de singles à intervalles réguliers et choisis. Tout vient de là, puis Led Zep est arrivé et le groupe ne voulait pas entendre parler de singles et ne proposait que des albums, enfin fin des 70's début 80's, les singles sont plus devenus des produits d'appel pour vendre des LP.

Cette mode ne date pas des années 1980, elle était dejà très répandue dans les années 1960 et 1970. Un paquet de chansons de Deep Purple sont des singles sortis hors albums, par exemple "Black Night"...

Vangelis n'avait pas été retenu par YES.

Nik Kershaw avait postulé chez Deep Purple comme guitariste. La demande ayant échoué, il a donc tenté l'aventure solo au début des années 80 avec ses propres musicos; carrière qu'il a plutôt bien gérée et qu'il continue à ce jour.

@DeRien : Merci pour cette réponse détaillée ! Le thème ne m'étonne pas, dû au fait que l'album-parent de cette chanson est "Architecture & Morality", album invitant à la réflexion, par excellence !
Par contre le détail surprenant, à mon sens, est la totale opposition entre cette introspection des paroles, et la vivacité assez optimiste du titre. Ca me rappelle un peu "Electricity"!

"Georgia" d'Orchestral Manoeuvres In the Dark (OMD) est une chanson qui se prête à plusieurs interprétations, laissant une large part à l'imagination de l'auditeur. Bien qu'elle ne raconte pas une histoire linéaire, elle évoque un ensemble de sentiments complexes et contradictoires.

Une relation complexe : le titre "Georgia" suggère une relation personnelle, peut-être amoureuse. Les paroles, souvent vagues et mélancoliques, évoquent une attirance profonde, mais aussi une certaine distance émotionnelle.
Le poids du passé : la chanson semble imprégnée de la nostalgie d'un passé idéal, un temps où les sentiments étaient peut-être plus simples ou plus intenses. Le nom "Georgia" pourrait représenter ce passé idéalisé.
La quête de soi : "Georgia" peut également être vue comme une métaphore de la quête de soi, une exploration des profondeurs de l'âme humaine. Les paroles évoquent des sentiments d'incertitude, de désir et de mélancolie, qui sont souvent associés à cette quête.
Une ambiance mélancolique et synthétique.

La musique de "Georgia" contribue à l'atmosphère mélancolique de la chanson. Les mélodies synthétiques et les rythmes répétitifs créent une ambiance à la fois rêveuse et mélancolique. Cette ambiance sonore renforce l'impression d'une quête intérieure et de la nostalgie d'un passé idéalisé.

En résumé,

"Georgia" d'O.M.D est une chanson qui invite à la réflexion personnelle. Elle évoque un ensemble de sentiments complexes et universels, tels que l'amour, la perte, la nostalgie et la quête de soi. L'absence de narration explicite laisse une grande liberté d'interprétation à l'auditeur, permettant à chacun d'y projeter ses propres expériences et émotions.

@ radio cité 78 85 : Moi aussi j'aime assez le XIII, je le trouve en tout cas meilleur que sa réputation en dit. Pas super fan de "Street player", par contre j'adore "Run away", "Mama take" et "Reruns". Et je trouve "Paradise alley" rigolote.

@Thierrick : Oui, je pense souvent un peu abusivement que "Hot streets" est "l'album disco" du groupe, alors qu'il n'y a que 2 ou 3 titres de ce style dedans, mais ce qualificatif "disco" vient du fait que "LE" tube de cet album en est imprégné : "No tell lover" et dans une certaine mesure, "Alive again".

@Philippe Echtestbetech (marrant ce pseudo... faut pas confondre le tourne-disque avec une poele à frire ! :-) Pour moi Chicago ça me va jusqu'au "17", après je décroche. Si les ballades écrites par Foster me convenaient, en revanche je déteste celles, en quantités industrielles, de Diane Warren... "What can of man would I be", "Look away", "You come to my senses", "I don't wanna live without your love" ou encore "We can last forever" qui sont TOUTES exactement la même chanson à 2 notes près !
Heureusement Chicago est revenu, pour les quelques albums suivants, à un son un peu plus "roots"...

quand on y pense après tout, Chicago est plus ou moins pareil avant le 16 (adaptation de leur style au son des années 80), avant ça c'est toujours le même, du rock parfois un peu jazzy, et presque toujours accopagné de cuivres, j'ai envie de dire que même le mixage reste plus ou moins identique , le "son chicago" est pareil de 69 à 80.

Hot Streets de a disco ? on a pas écouté le même album, il y a pas mal de morceau assez rock je trouve ...

Le XIII n'est pas mal non plus. Je ne comprends pas pourquoi il est mal aimé : c'est du rock, parfois à tendance disco avec "Street Player" qui rappelle un morceau eurodance des années 90, ou parfois plus funky avec "Paradise Alley".

@Yvon Lebrac : C'est marrant les goûts et les couleurs, moi c'est l'exact opposé ! ;)
Et pourtant, malgré le fait que je sois grand fan de Toto, j'écoute avec beaucoup plus d'intérêt Chicago 16 que Toto IV, deux albums de la même année d'ailleurs ! Je trouve Chicago 16 plus consistant globalement (même si c'est plus 'rock linéaire', moins 'virtuose'), album dans lequel il n'y a pas grande différence qualitative entre les hits et le reste (je trouve "Waiting for you to decide", "Bad advice", "What can I say" et "Sonny think twice" excellents par exemple), sauf peut-être les 2 derniers titres assez médiocres. Alors que je trouve Toto IV excellent uniquement dans ses 2 gros hits et 2 ou 3 autres titres, c'est tout. Je trouve le reste assez décevant pour du Toto.
Bien à toi.

pas convaincu du chicago xvi, j'aime bien leur tube "hard to say i'm sorry" par contre le reste ressemble plus à du sous-toto même période sans relief.

@Foudrock : Oui, le 6 est juste passable en ce qui me concerne. Assez bon, mais pas affriolant.
Le 8 n'est pas terrible non plus (à part "Old days" et "Harry Truman, qui surnagent un peu).

Personnellement, jusqu'au septième album, c'est bonnard, ensuite c'est très fluctuant.
Précisons ceci dit que le sixième opus n'est, en fait, pas terrible-terrible...

Etant plutôt bon connaisseur de ce groupe, je te dirais que déjà, en terme de période, le meilleur d'eux est entre leur premier album "Chicago Transit Authority" (1969), jusqu'à "Chicago 17"(1984).
Le groupe a connu plusieurs phases et plusieurs styles. Chronologiquement, on passe d'un du rock assez puissant et débridé (albums 1 à 3), à un style plus jazzy (albums 5,6,7,8), à un mélange pop/funky assez soft (albums 10, 11), à de la disco (album Hot Streets), puis retour à une pop-rock assez burnée (albums 13 et 14), puis saveur West-Coast (albums 16 et 17). Après, pour moi c'est de la soupe sans grand intérêt (les albums 18, 19 et 21 étant de la vraie muzak d'ascenseur !).
Pas facile de s'y retrouver car chez eux leurs albums portent des numéros (à quelques rares exceptions).
Si tu veux vraiment une liste de mes albums favoris, qui sont des albums-clés pour connaître leur parcours, je te dirais (chronologiquement) : les 3 premiers, puis 5, 7, 10, 16 et 17.
Le 6 et le 11 sont plutôt bons.
Le 13, 14 sont souvent détestés, moi je les trouve meilleurs que ce qu'on en dit.
Enfin "Hot streets" est vraiment le seul (avec le 18,19 et 21) que je n'aime vraiment pas.
Voilà, j'espère ne pas t'avoir filé la migraine...

Comme souvent dit, dans la variété, pas besoin de chanter juste pour avoir du succès. Les exemples sont nombreux.

Elle chante quand même moins "faux", que ne chante Kim Wilde ! lol

C'est clair que Muriel chantait systématiquement un peu en dessous : c'est presque sa marque de fabrique, sa signature. Mais ça va si on n'a pas l'oreille trop sensible : et les chansons sont tellement elle.

Dans "Quand la ville dort", son chant est sublime: véritablement crépusculaire.
"Hypnotique", "envoûtant" sont les adjectifs qui caractérisent le mieux le chant de Muriel Moreno à mon avis.
Après, oui, dans une chanson comme "J'ai vu", Muriel gueule plus qu'elle ne chante, c'est vraiment "gueuler pour gueuler", et ça manque de sincérité je trouve. Mais là c'est le cas extrême.

Même si la voix de Muriel n'est pas forcément "juste", dans ce domaine, elle n'est pas non plus si dérangeante... Sa manière de chanter est assez "rock", peu académique... Je pense que c'est justement le type d'artistes avec lesquels on peut éviter d'être pointilleux comme au conservatoire. :)

En fait, c'est très technique : plus les jupes de Muriel sont courtes, mieux elle chante... En outre, son chant s'améliore grandement aussi dans les tenues de cuir moulante...

Sérieusement, j'aime sa voix grave. Elle n'est pas toujours parfaite, mais ça passe très bien.
Bien à toi.

Je suis assez d'accord Muriel Moreno n'est pas une grande vocaliste, c'est plutôt une interprète, son chant est limite mais c'est ce qui tranche dans la musique. Brigitte Bardot chantait faux, personne ne s'en plaignait. Stoppons là cette allusion, l'aura de la seconde étant insurpassable,.Muriel fera quelques progrès en plus...

C'est toi. Oui la chanson "Petite Marie" peut ressembler sur quelque secondes (si c'est ça dont tu parles) mais en fait rien à voir du tout avec TFF.

Globalement, ou à une chanson en particulier ?

Perso, je ne vois pas. Et si c'est le cas, c'est peut-être inversé : Cabrel se serait inspiré de TFF.

Car j'imagine assez mal TFF s'inspirer de Cabrel, chanteur relativement peu connu en dehors de la francophonie, notamment en 1983 (année de sortie de "The Hurting"), année où il n'avait pas encore définitivement percé (il faudra attendre 1989), tout en ayant quand même déjà eu des tubes.

@Jean Kevin, je ne vois pas où vous tirez cette info mais aucune version de For Your Pleasure ne comporte de morceaux bonus, ce fut la volonté du groupe (ou de Bryan Ferry uniquement) de garder la tracklist initiale de ses albums.

Ils l'ont mis en bonus track dans certaines rééditions de l'album (allez voir dans ce bon vieux discogs, tout y est).

moi je trouve pas il aurait parfaitement collé à l'album FYP, tout comme ils ont fait avec Virginia Plain pour le premier album éponyme.

toute façon ils ont bien fait de pas la mettre dans un album, elle est nulle cette chanson et degage une ambiance malaisante

Le titre n'est sorti qu'en single, il n'est dès lors disponible que sur des compilations

Je dirais bien "sous son grand chapeau", mais je ne suis pas certain que cela fasse avancer le chmilblick

"Follow Me Home" de Dire Straits est une ballade touchante qui explore les thèmes de la réconciliation, de la vulnérabilité et de l'espoir dans une relation amoureuse. Bien que les paroles soient relativement simples, elles évoquent une profondeur émotionnelle qui résonne auprès de nombreux auditeurs.

Décryptage des paroles

L'invitation et la vulnérabilité: L'invitation répétée "Follow me home" suggère un désir profond de partager un espace intime avec une autre personne. C'est une ouverture, un acte de vulnérabilité qui invite l'autre à franchir le seuil et à entrer dans un monde plus profond.
Le désir de renouveau: Les paroles évoquent un désir de recommencer, de laisser derrière soi les erreurs du passé et de construire un avenir meilleur ensemble. C'est une chanson qui parle de pardon et de la force de l'amour à surmonter les obstacles.
La mélancolie et l'espoir: Malgré l'optimisme sous-jacent, il y a une certaine mélancolie dans les paroles. Cela suggère que le chemin vers la réconciliation n'est pas toujours facile et qu'il y a des doutes et des peurs qui peuvent surgir. Cependant, l'espoir d'un avenir meilleur persiste.
L'ambiance musicale

La mélodie douce et mélancolique, associée à la voix chaleureuse de Mark Knopfler, contribue à créer une atmosphère intime et émotionnellement chargée. La simplicité de l'arrangement musical met en valeur les paroles et permet à l'auditeur de se concentrer sur le message.

En résumé

"Follow Me Home" est une chanson qui invite à la réflexion sur la nature des relations humaines. Elle nous rappelle l'importance de la communication, de la vulnérabilité et du pardon dans la construction d'un amour durable. C'est une ballade qui touche au cœur et qui laisse une impression durable.

Par ailleurs, le rythme de la chanson "Follow me home" et ses paroles sordides comme vous dites me font étrangement penser à la musique des Doors "The Soft Parade". On y retrouve ce même caractère tribal très agressif.

Merci Baazbaaz !
J'ai regardé d'après les liens que tu m'as indiqués et les commentaires... Hé bien apparemment je ne suis pas le seul à avoir des doutes là-dessus ! Assez flippant quand même... Si ça se trouve c'est juste des métaphores poétiques intraduisibles, mais bon... Hem...

Salut !
Tu as quelques pistes de réponses ici :

https://www.songfacts.com/facts/dire-straits/follow-me-home

https://songmeanings.com/songs/view/3530822107858496540/

Quand les artistes et groupes ont comme "meilleur album" leur premier, ce n'est pas toujours bon signe (signifiant qu'il ne leur a fallu qu'un album pour trouver vraiment l'inspiration... ?), alors que j'admire certains artistes / groupes, pas si nombreux que ça, dont les albums sont de mieux en mieux au fil de leur sortie. Je pensais à Goldman : pour moi c'est clair : chaque album qu'il a sorti est, en quelque sorte, meilleur que le précédent. J'aime bien ce côté "amélioration continue", en apprenant des bonnes expériences ou erreurs passées, et en rectifiant le tir...

Si on parle de 3ème album "meilleur", j'ai tout de suite en tête Supertramp mais aussi Tom Petty, ou après 2 albums assez moyens, vient la grosse claque du 3ème album Damn The Torpedoes (et le suivant tout aussi bien).

Sans oublier cette référence étrange au chiffre "4" comme nom d'album, et souvent de leur meilleur album !
Je pense à Foreigner et Toto.
Mais même sans porter le chiffre "4", il y a beaucoup de groupes qui se "révèlent" vraiment à leur 4ème album, avec un excellent premier album, puis se laissant un peu aller aux 2ème et 3ème (le temps de "chercher leur son"), et SBAM ! au 4ème, ça décolle.

King Crimson et Gentle Giant ? C'est un peu fort ! Leurs premiers albums respectifs ne sont rien à côté des suivants !

King Crimson
Mike Oldfield
Roxy Music
Chicago
Gentle Giant
Jimi Hendrix
Lynyrd Skynyrd
Ted Nugent
Guns & Roses
Yngwie Malmsteen
...


Il me semble que pour beaucoup d'autres, c'est le troisième album qui marque la fin des expérimentations et la révélation du style avec un album qui devient la pierre angulaire de la discographie.
Là, je pourrais citer Magma, Judas priest, UFO, Dire Straits, Yes, Metallica, Camel, Supertramp, ...

Souvent, le premier est le "meilleur" (effet de surprise ?). mais j'ai plutôt en tête des contre-exemples : Radiohead ("Ok computer"), Depeche Mode ("Violator"), Laurent Garnier ("Unreasonable behaviour"), Autechre ("Tri repetae"), Massive Attack ("Mezzanine"), MC Solaar effectivement ("Prose combat"), Mylène Farmer ("Ainsi soit-je..."), Björk ("Post" ou "Homogenic")...

Strokes
Lenny Kravitz
Morcheeba
B'52's

C'est subjectif évidemment, pour ma part je citerais:
The Doors
Tracy Chapman
Van Halen
Trust
La Funky Family

Dans un tout autre genre certains diraient que EMPEROR avec "In The Nightside Eclipse" a signé son magnum opus du premier coup (voire même a donné le mètre étalon du black metal symphonique)

Les Doors ( bien que tous les albums soient excellents )
Alanis Morissette
Billy ze kick

Sinon, j'ai entendu dire que le deuxième album d'un groupe est souvent le meilleur : des exemples comme Suede, Oasis, Joe Satriani, Les Wriggles, Téléphone, Dire Straits, MC Solaar, Radiohead (pour certains), The Police, Les Cranberries, Dream Theater etc.

@le kingbee : Oui c'est vrai concernant les Quo... mais c'est peut-être la période assez longue entre les titres que tu cites et In the Army Now qui laisse à penser qu'ils n'ont eu que ce gros succès... Un tube très "isolé" dans leur carrière, en fait. Ce fut une renaissance pour eux, mais franchement je trouve cet album pas terrible.

Je veux forcement dire leur meilleur album que ce soit artistiquement ou commercialement ca n'importe pas dans ce cas de figure car la différence avec les autres album est flagrante

@ Nono

Petite rectification concernant les Quo.
Paper Plane et surtout Caroline , Down Down, Rockin All Over The World ou Whatever You Want avaient préalablement connu des Number One.

Tout dépend ce qu'on entend par "meilleur album" : artistiquement ou strictement commercialement ? (même si parfois les 2 se rejoignent).
Si on attend le "premier gros tube" d'un groupe, parfois on peut attendre très, très, trèèèèès longtemps : par exemple Status Quo, bien qu'ayant eu du succès dans les 70s, a eu son premier gros succès commercial plus de 15 ans après ses débuts (en 1986 avec "In the Army Now") !! A l'opposé, d'autres comme Rod Stewart peuvent cartonner leurs premières années avant mourir à petit feu pendant des décennies ! (Honnêtement pour lui trouver un bon album après la fin des années 70, faut se lever tôt !)

Très peu de cas de figure existe comme exemple.il vaut mieux se concentrer sur une discographie entière.

IRON MAIDEN, BLACK SABBATH.
BOSTON.

Il y a eu une excellente ébauche de RATM à travers le groupe LOCK-UP dans lequel évoluait Tom Morello. Clairement l'album "Something Bitchin' This Way Comes" a servi de base.

Ainsi, j'ai du mal à admettre qu'un groupe signe un classique, sans démos ou tâtonnements à travers d'autres formations préalable. Généralement, le succès occulte les galères ou essais précédents. Il y a souvent du bagage !

Les deux logiques opposées sont valables : certains groupes pondent leur meilleur opus pour premier album, et après deviennent de moins en moins bon, comme si leur inspiration ne tenait que dans 1 ou 2 albums (mais ça peut se comprendre, tout le monde n'est pas "Dieu"), d'autres deviennent de mieux en mieux car s'appuyant sur leur expérience progressive.
Je cite quelques exemples ...
1) Groupes / artistes avec 1er album comme le meilleur (ou un des meilleurs): Toto, The Police, Van Halen, Phil Collins
A l'inverse : OMD, Genesis ou Pink Floyd ont eu des débuts spartiates, il leur a fallu un peu de temps pour s'imposer.

Machine Head ou Guns N' Roses me viennent en tête.
Emperor, Cathedral, Rob Zombie, Candlemass, Devin Townsend?
Selon les personnes, ça changera. Par exemple, nombreux seront ceux qui trouveront que le premier Sonata Arctica est le meilleur, je préfère les trois suivants à titre personnel.
Sinon, Scorpions, Judas Priest et RHCP. Nan j'déconne:)

VAN HALEN
BOSTON
METALLICA
MAROON 5

A mes débuts sur FP, en 2011, j'avais voulu contribuer aux nouveautés et j'avais essayé Portamento des DRUMS, du post-punk revival typique. Mais bon, je n'avais pas été très emballé donc j'ai renoncé ;).

De rien NATEAG666 !

Je crois en fait que le paradoxe d'Interpol, c'est d'avoir ouvert la voie à un revival dans lequel pléthore de groupes se sont engouffrés mais sans que ces derniers sonnent nécessairement comme le quatuor new-yorkais.
Pour des projets plus contemporains donc et toujours dans « l'esprit » même si ceci demeure bien subjectif :

"The Back Room" et "An End Has A Start", les deux premiers albums d'Editors que l'on a souvent présenté comme une réponse anglaise à Interpol alors que ce groupe vaut à l'évidence mieux que ce statut initial d'ersatz.
"Fear Is On Your Side" de I Love You But I've Chosen Darkness, combo new-yorkais, mélancolique et obscur à souhait.
"She Wants Revenge" du groupe du même nom. Le duo américain propose une pop froide d'excellente facture.
"O.Children" du groupe du même nom (se casse vraiment pas la tête). Un projet anglais mené par le puissamment charismatique Tobi O'Kandi.
"To Lose My Life..." des Anglais de White Lies. Un énième feu de paille mais qui assurément ici ne manque pas de saveur.
"Eagulls" et "Ullages" du projet de Leeds emmené par George Mitchell qui vocalement rappelle parfois Robert Smith.
"XX" de The XX. Le quatuor londonien puise son inspiration du "Seventeen Seconds" de Cure, et c'est du bon spleen.

Puis, les premiers travaux de The Soft Moon (avec feu l'excellent Luis Vasquez), la pop froide des Canadiennes de The Organ ou tendue des Savages peuvent compléter cette brève introduction.
Après NATEAG666, si tu désires quelque chose de plus sombre, sans verser pour autant dans la caricature, il faudra te tourner vers la cold wave et là, c'est une autre histoire.
Bonne écoute !

Merci pour ces réponses très complètes.

THE CURE, je suis fan depuis trois ans, et effectivement, je fais bien le lien avec INTERPOL. Et je préfère la trilogie glacée au premier album, je dois être plus "dépressif" que "afterpunk".
JOY DIVISION aussi j'ai, je préfère les albums beaucoup plus sombres que les compils, plutôt plus enlevées et joyeuses.

En tout cas j'ai beaucoup à faire maintenant.
PIL, MAGAZINE et WIRE me semble un bon début.

Sinon, tous les groupes que vous proposez ont débuté dans les années 70-80.
Avez-vous des références d'un Revival Post-Punk Dépressif contemporain d'INTERPOL?

Bonjour.

Alors. L'afterpunk dépressif ... Une famille plus que nombreuse et protéiforme. D'autant que chacun a sa conception de la noirceur et de la dépression. Voici ceux qui, outre "Turn On The Bright Lights", me sont très chers.

"Metal Box" de PUBLIC IMAGE LIMITED, 1979. Le groupe fondé par John "Johnny Rotten" Lydon après la débâcle des SEX PISTOLS. Un album très expérimental (influencé par les précurseurs allemands NEU! et KRAFTWERK notamment), obsédant, narquois, menaçant, rageur, caustique et terre à terre mais avec toujours quelques touches de pureté salvatrice assez oniriques. La guitare métallique et tranchante s'associe à une rythmique lourde, envoûtante et à des claviers fantomatiques. Les ambiances et les thématiques de l'album portent sur l'humanité, la société actuelle et leurs faces cachées, ténébreuses comme lumineuses. Le David Lynch de "Blue Velvet", "Eraserhead" et "Twin Peaks" matérialisé dans l'Angleterre grise, industrielle, morose et pluvieuse de novembre 79.
C'est l'exploration de ce disque qui m'a convaincu de la richesse de l'afterpunk, à l'époque où moi aussi j'étais à fond dans la sphère hard / heavy / vieux thrash.

"Secondhand Daylight" de MAGAZINE, 1979. Je le place ex-æquo aux côtés de "Metal Box" dans un registre "porte étendard de leur genre". Très punk tout en étant très axé synthétiseurs et arrangements / écriture inspirés du rock progressif (le PINK FLOYD de "Dark Side Of The Moon" et "Animals", voire le VAN DER GRAAF GENERATOR de "Godbluff"). Niveau ambiance, il m'a toujours rappelé les films fantastiques / horreur japonais des années 60, brumeux, théâtraux, cryptiques (si "Kwaidan" de Masaki Kobayashi te dit quelque chose ...). Le tout est appuyé par des textes paranoïaques, anti sociétaux, à la limite du borderline. Le chanteur, Howard Devoto, est à mon sens, tout comme John Lydon : LA voix du rock anglais fin 70's / début 80's. Par ailleurs, tu peux sans hésitation te jeter sur "Real Life", le premier MAGAZINE, plus orienté guitares mais déjà porteur d'une aura mystérieuse et captivante.

"Low" de David Bowie, 1977. Un album souvent mentionné parmi les plus influents de la fin des années 70. Ce à juste titre. Bien des groupes new wave iront y piocher des idées. L'opus est divisé en deux faces bien distinctes. La première est un recueil de pop song sophistiquées et déconcertantes. La seconde n'est composée que de morceaux instrumentaux dark, profonds et très poignants. Le disque consistant en un commentaire désabusé sur l'Europe post 1945 où l'incertitude comme la misère règnent. Certes, "Low" a été publié début 77, en pleine période punk : mais c'est oublier à quel point le Grand David fut avant-gardiste.

"Telekon" de Gary Numan, 1980. Très électronique, mais avec une vraie section rythmique et des guitares saturées qui sous-tendent la majeure partie du disque. Très robotique également (on est en pleine science-fiction proto cyberpunk) mais très touchant. Tout en sachant se montrer virulent. Un album hautement personnel en forme d'exutoire, sorti à une époque où son créateur cherchait à fuir le business de la musique et l'aliénation des villes comme celles véhiculées par les masses.

Enfin, "The Blurred Crusade" de THE CHURCH, 1982. En termes de sons et d'ambiances, il n'est pas d'un désespoir maladif. C'est un album très poétique (au sens maudit, spleenesque du terme), aux thématiques automnales et existentielles. Ce groupe, bien que moins réputé que THE CURE ou THE SMITHS : est pourtant bien meilleur. Des cinq disques que j'ai proposé jusqu'alors : c'est le moins noir de tous. De là à dire qu'il respire la sérénité et l'optimisme primaire ... Ô que non.

Et là, je ne t'ai cité que mes favoris absolus. D'autres valent le détour. JOY DIVISION (si tu ne connais pas, essaye "Unknown Pleasures" de 1979, et les compilations "Substance" de 1988 et "The Best Of Joy Division" de 2008, tous excellents). WIRE pour sa trilogie inaugurale avec "Pink Flag" (1977), "Chairs Missing" (1978) et "154" (1979). Un triptyque qui s'enfonce peu à peu dans la noirceur et la grisaille. Jusqu'au "A-Z" de Colin Newman, premier album solo du chanteur de WIRE, tellement barré et psychotique qu'il file littéralement les jetons.

Sur ce : bonne découverte. Et fait attention à bien revenir dans la réalité après chaques écoutes. Ces albums emmènent toujours loin.

Bonjour NATEAG666,

C’est une vaste question que tu poses ici, la frontière étant parfois ténue entre post-punk, new wave, cold wave (au moins pour moi).

Aux groupes déjà mentionnés comme Joy Division, The Chameleons, The Sound, on pourrait donc ajouter, mais c’est un puits sans fond et " les sphères afterpunk les plus dépressives" dépendent naturellement de la sensibilité de chacun :

- les deux premiers albums de Siouxsie And The Banshees
- le premier album de The Cure
- les premiers albums de The Fall , Magazine, PIL, Wire, Gang Of Four
- la totalité des albums de And Also The Trees sortis durant les années 80
- les albums des Allemands de Malaria! et Xmal Deutschland
- puis pour l’hexagone : Tanit, Baroque Bordello, The Bonapartes

Comme toute liste, la mienne est hautement subjective et forcement incomplète tant cette sphère est foisonnante.
Bonne découvertes et bonne écoute !

En fait, le mouvement "west-coast" a eu deux générations : le premier dans les années 60 jusqu'à mi-70 : Beach Boys, Eagles... Il y avait déjà ce côté "rock cool" qui empruntait encore pas mal au mouvement hippie de San Francisco. Puis, la seconde génération West-Coast qui a prolongé le mouvement de manière plus formatée et commerciale (fin 70 - début 80) : comme les exemples que j'ai donnés dans mon post précédent.

J'avais un smartphone qui a rendu l'âme un 28 juin 2021. Le suivant que j'ai eu a eu un gros problème qui l'a rendu inutilisable, un 28 juin 2023. C'est bizarre les coincidences parfois.
C'est pourqoui je dirais que Gino Vanelli me fait parfois penser à Steely Dan par moment mais en plus pêchu, on va dire. Boz Scaggs, Billy Joel (celui des années 70, je précise) également, bref comme dit nono, il y a un tas d'autres artistes et de groupes qui s'en rapprochent plus ou moins dans les années 70 et 80, faisant partie du mouvement 'west woast', ce rock jazzy avec présence de piano et un style général clean, chic, etc.

En groupe récent : DRUGDEALER.

Tout dépend ce qu'on entend par "équivalent" !
Au niveau du perfectionnisme dans la production, le son et les arrangements, honnêtement je ne connais pas d'équivalents (les mauvaises langues diraient même : ne pas connaître d'équivalent au niveau pénibilité du travail en studio - demandez aux musiciens de studio qui ont bossé pour SD !)
Maintenant, au niveau style global : le groupe a été dans la mouvance "néo-west coast" (mi 70's - début 80's) si on peut dire : mélangeant pop et jazz. Beaucoup d'artistes, californiens notamment, s'en sont inspirés : Christopher Cross, Michael McDonald, Toto... Je pense que la qualité de production et le souci du détail de David Foster, s'en rapproche aussi. Son groupe Airplay (avec son comparse Jay Graydon) me faisait penser un peu au tandem Fagen / Becker de Steely Dan, ça sonnait un peu dans la même mouvance !

Oui FP comporte parfois des lacunes assez étonnantes, mais bon les chroniqueurs écrivent selon leur goût ou leurs intérêts etc. Chicago a une discographie assez vaste et seuls les 2 premiers sont chroniqués depuis longtemps, ou alors même des groupes pourtant célèbres totalement absents ici comme Hall and Oates. Par contre, attention, t'as tous les albums de Dorothée. 🤣

J'ajoute que FP a longtemps exclu le "rock dur" de sa ligne éditoriale, étant donné la proximité avec NIME. RHCP était déjà présent sur NIME, donc ça n'était pas une priorité.

Sans quoi il aurait probablement fait partie des premiers groupes traités sur le site, étant donné sa popularité auprès de nombreux chroniqueurs qui sont passés chez nous.

Nous comprenons à F.P que ce retard de chronique d'un album aussi essentiel puisse vous surprendre. Mais n'oubliez pas que nous sommes une équipe de bénévoles, et non des journalistes travaillant au sein d'une revue musicale. Il y a parmi nous une large variété de goûts musicaux, mais chaque chroniqueur pris isolément suit son parcours singulier avec, pour chacun, des groupes fétiche, des styles musicaux préférés. Pour ma part, par exemple, je vais peut-être vous choquer, mais je n'ai écouté de ma vie aucun album des Red Hot..., non pas que je ne trouve pas ce groupe important, mais simplement il ne correspond pas à ma sensibilité musicale. Si je devais chroniquer cet album qui vous paraît si essentiel, je ne me sentirais par conséquent aucune légitimité.
Voilà pourquoi cet album n'a été chroniqué qu'en 2014. Nous sommes des bénévoles, mais nous n'aimons pas dire n'importe quoi sur un groupe ou un album, nous en laissons le soin aux "vrais spécialistes".
Dans notre base de données, bien d'autres "vides" attendent d'être comblés. Et comme à F.P nous adoptons une démarche généraliste et exhaustive, nous n'aurons pas assez d'une vie pour chroniquer tous les disques parus depuis les origines, de tous les pays.

@jaminthecity : sans oublier le "I love to love you baby" de Donna Summer, c'est chaud-bouillant là aussi ! Pas mal de "bruits annexes" aussi ! LOL

Et ça, c'est encore rien : dans certains morceaux funk c'est parfois bien pire. Dans "She Talk To Me With Her Body" des Bar Kays, ) à un moment donné, on entend une femme qui a des orgasmes, ou alors dans un morceau de Narada Michael Walden, je sais plus lequel, une femme dit "je suis en chaleur" accompagnée d'orgasmes aussi.

Et d'ailleurs, Prince aussi n'était pas en reste! Lui, il gueulait carrément, nombre de ses chansons qui se terminent par une gueulante magistrale, sur tout un couplet parfois... Ecoutez la fin de "Kiss" ou le middle-eight de "Purple Rain", à titre d'exemple !

Je crois que le pire c'est le "Aaaoouu" puis juste après "hah..hah..hah.." , sur "P.Y.T. aux alentours de 2:14. Notre Bambi est en pleine forme ! LOL

En matière de R&B et de Soul, certains cris (Ooumm )que poussait Little Richard faisaient plus ou moins référence à son homosexualité.

Il me semble que cela se rattache pleinement à la tradition Soul/R&B dont il est issu, et qu'il s'est réapproprié à sa manière.

bontampi

Merci de vos réponses, effectivement pas facile de trouver des infos de ce type sur le net.

En complément de la réponse de Elk : surtout que le groupe n'affichait pas comme une "fierté" d'utiliser les synthétiseurs pour enrober un peu leur son à cette époque.
En concert les parties étaient jouées par un musicien/technicien qui restait caché, donc il faudrait vraiment éplucher les revues spécialisées de l'époque pour espérer avoir des renseignements plus précis sur le type de claviers utilisés par MAIDEN.
Même le site de référence THE IRON MAIDEN COMMENTARY ne donne aucune précision à ce sujet...

Salut,
Je ne suis malheureusement pas capable de te donner une réponse précise, il faudrait fouiller dans les revues de matos. Je sais uniquement que le groupe a commencé à utiliser des guitares synthés (comme Judas sur « Turbo ») avant de revenir, notamment sur scène, à des synthés plus traditionnels et faciles à utiliser.
Up the irons.