Le 12 Janvier 2017 par LOUVOIR

VALD...
Il y aurait des pages et des pages à écrire sur ce mec, tant sa personnalité est difficile à cerner, mais ô combien attachante.

Mais contentons nous ici de dire qu'il est juste un excellent rappeur. Il suffit d'écouter des titres comme "Barème", "Urbanisme", ou "Infanticide" pour s'en convaincre. Pour ce dernier morceau, il est accompagné d'un autre allumé, le trop discret AD.
On est clairement dans un rap "fun", mais pas exempt de réflexion quand on s'intéresse de près aux paroles.

Alors oui, il y a "Bonjour". Il y a "Selfie". Clairement pas ma tasse de thé mais VALD a tout compris au marché et aux nouveaux modes de consommation de la musique, tout simplement. Deux morceaux complètement hors sujet comparé au reste, mais qui font le buzz et qui attire les regards sur le reste.
La plupart des gens attirés par ces morceaux seront déçus du reste et se contenteront de ces deux titres faciles. Quelques autres s'émerveilleront de la qualité des textes et du flow de VALD sur le reste. Et attendront "Agartha" avec impatience!

Le 12 Janvier 2017 par BAAZBAAZ

Quelle merveille ce disque... L'une de mes portes d'entrée majeure dans le Hard rock 70s.

La fête est bel et bien terminée. Les années 60 sont loin, les fleurs sont fanées. Les hippies en pattes d'eph' font un mauvais trip, s'égarent dans la nuit et se perdent dans le néant. Mais ils lâchent en guise d'adieu quelques riffs inouïs, aussi rageurs que planants.

Le 11 Janvier 2017 par LONG JOHN SILVER

@BAAZBAAZ
Cher et estimé confrère et néanmoins collègue, ton allusion aux Sparks tombe d'autant mieux qu'on entre dans la lignée des fratries pop évoquées dans ma chronique. J'aurai pu citer d'autres modèles (revendiqués) comme Big Star, les Small Faces, les Psychedelic Furs…
Tu soulignes à juste tire que ce disque n'est pas facilement accessible, car foisonnant. Je te rejoins une fois de plus, c'est aussi pourquoi, je n'ai pas envisagé de lui coller une note maximale qui lui pend tout de même au nez. En effet, il faut s'accrocher, mais au bout du compte on goûte de plus en plus facilement à ce collage/plaisir post moderne - soit (oui oui, on est là pour s'amuser), dans l'univers bigarré mais tout de même intelligible des d'Addario.

Le 11 Janvier 2017 par LEO

CAPTAIN BEYOND prouvait qu'il y avait une vie après DEEP PURPLE pour ROD EVANS, tout comme NICK SIMPER avait un avenir avec WARHORSE après son éviction du pourpre profond! le hic, c'est qu'aucun de ces 2 groupes ne connaîtra le succès (tout au plus, d'estime.... et encore, bien après la séparation de leurs groupes respectifs!).
Autre point commun: Sufficiently Breathless l'honnête second 33t de CAPTAIN BEYOND, ne sera pas au niveau de ce 1er album tout comme Red Sea, le 2ème effort de WARHORSE, ne vaudra pas l'excellent album éponyme.
Tel est le destin injuste de ces 2 ex-membres de la 1ère formation de DEEP PURPLE.
Pourtant tout démontrait qu'EVANS autant que SIMPER étaient capables de s'adapter à un style de musique bien différent des 3 premiers albums de PURPLE MK1 (à l'inverse des dires de JON LORD, IAN PAICE et surtout RITCHIE BLACKMORE qui ont toujours amoindri l'importance et les capacités de leurs ex-collègues!).
À noter que sur Dawn Explosion, le 3ème album de CAPTAIN BEYOND (paru en 1977), le chanteur n'est plus ROD EVANS mais un certain WILLY DAFFERN qui chantera plus tard avec G-FORCE (sous le nom de WILLIE DEE) en 1979-80 (projet éphémère de GARY MOORE et auteur d'un seul album).

Le 11 Janvier 2017 par BAAZBAAZ

Un patchwork musical très post-moderne, fait de collages sonores 60s et 70s qui font passer en quelques secondes des SPARKS à Macca... C'est ludique et érudit même si, au premier abord, on en sort un peu épuisé.

En persévérant, les mélodies s'installent peu à peu et l'on prend plaisir à écouter ce disque qui n'a pas peur du ridicule. Il y a des passages absolument mémorables. Mais l'éparpillement des idées, l'extrême hétérogénéité de l'ensemble et la frénésie ambiante tuent parfois l'émotion et rendent tout de même difficile de supporter l'album d'une traite. Une ou deux chansons à la structure plus simples auraient permis de souffler.

On se surprend donc à vraiment apprécier cette musique, tout en étant un peu fatigué d'avance à l'idée d'y retourner.

Le 11 Janvier 2017 par THIERRY RAOULT

Quelle surprise, Jarre sort un Oxygène 3 !!!
Comme la chronique, c'est un bon album, ça s'écoute avec plaisir.
Les 3 premiers titres sont bons et les 4 suivants moyens, surtout les 17 (single) et 18 (on dirait plus une transition entre 17 et 19 qu'un réel morceau).

Pour le plaisir, je me suis envoyé Oxygène, part 1 à 20. C'est plaisant.

Le 11 Janvier 2017 par THIERRY RAOULT

Je remercie Forces Parallèles. Grâce à cette chronique, j'ai découvert CAPTAIN BEYOND. Je n'avais jamais entendu ce nom. Par la même occasion, j'ai réalisé qu'il y avait eu un chanteur avant Ian Gillian chez Deep Purple, qui en plus a quand même participé à 3 albums.

J'ai regardé et écouté un live (en Studio TV) de 1972 et je suis resté médusé. C'est véritablement un ovni. Les 4 musiciens sont excellents. Le chanteur, le guitariste, le bassiste et le batteur assurent grave. C'est étonnant que ce groupe n'ait pas percé.

Je vais écouter d'autres titres. J'ai vu qu'ils n'ont sorti que 3 albums.

Merci FP.

(je ne mets pas de note, je n'ai pas écouté l'album.)

Le 10 Janvier 2017 par CHRIS06

Que vaut ce premier album de CREAM?
D'un point de vu technique, c'est très fort.Les lignes de basse sont souvent incroyables et le jeu de batterie est au millimètre. Note spéciale pour le son incroyable de Clapton, le meilleur pour moi de sa carrière, un son chaud, crémeux, dû je crois au couple SG/Marshall.
Par contre, d'un point de vue artistique, c'est un peu mitigé. Certes, l'album possède des morceaux de grande bravoure comme "Sleepy time time" où clapton distille des licks terribles et un solo à se rouler par terre, ou encore la reprise "Spoonfull" complètement hallucinante. Mais il posséde aussi des morceaux insignifiants tels "Dreaming", voire insupportables comme "Toad" et son solo de batterie soporifique.
Cependant, ne faisons pas trop la fine bouche, on reste quand même présent devant un bon premier album qui annonce les deux chefs-d'oeuvre à suivre.

Le 10 Janvier 2017 par AZER

L'un des albums les plus estimés de la Musique. Et je tends à penser que ce presque consensus est tout à fait justifié.
Tout est superbe sur cet album.

Le 09 Janvier 2017 par AZER

Un bien drôle d'album que celui-ci. S'il dépasse de loin les produits pop actuels, il n'en évite pas pour autant certains écueils.
LORDE est assurément une jeune fille talentueuse, et sa voix, sans être exceptionnelle, reste très agréable à l'écoute, finement maîtrisée. La production est tout ce qu'il y a de plus honorable, assez minimaliste dans son approche malgré une large présence d'effets électroniques, ce qui ne peut être qu'un plus par rapport aux canons du genre dont le mot d'ordre est l'absence totale de subtilité.

Quand aux compositions, elles sont en dents de scie. Lors des écoutes, on remarquera que nombres de titres patinent allègrement au niveau des couplets: "Tennis Court" commence assez mal (ces couplets aux trois derniers temps muets sont très maladroits) avant d'être rattrapé par un très bon refrain, entraînant et racé, exploitant à merveille la voix de la chanteuse. Et si ce titre s'avère globalement réussi, cela n'est ni le cas de "Ribs" (aux claviers indigents), de "Buzzcut Season" ni de "Still Sane", qui sans être foncièrement ratés, manquent de fulgurances et de renouvellement. Cela s'avère être le principal problème de l'album; si son esthétique entre hip-hop minimaliste et électronique teinté de claviers new-wave épars fonctionne, trop de morceaux se contentent d'en reprendre les codes sans idées supplémentaires. L'album paraît ainsi assez répétitif, ce qui eut pu être évité si certaines compositions étaient plus travaillées.

Malgré cela, LORDE parvient à délivrer une Pop maîtrisée et intéressante sur bien des titres. "Royals" ne démérite pas de son succès, mis en orbite par un excellent refrain et des chœurs pertinents. "400 Lux" séduit par son aspect froid et éthéré, porté une fois n'est pas coutume par son couplet, et "White Teeth Teens" possède des chœurs réussis. "Team", malgré sa rythmique un peu linéaire, est assurément le meilleur morceau de l'album, son beau refrain soutenu par ces claviers très M83 fait mouche.

En définitive, un bon album de Pop mainstream, chose que je n'eus jamais cru prononcer (ou écrire) un jour, qui augure du bon pour la suite de la carrière de sa chanteuse. Le potentiel est présent, reste avoir si transformation il y aura.

Le 09 Janvier 2017 par LJ

album que je redecouvre un an apres sa sortie , et , honnetement , il vaut largement 4 etoiles

Le 09 Janvier 2017 par LONG JOHN SILVER

@VIV
Oui, tu as parfaitement raison à propos des concerts du Floyd, déjà connus des bootleggers, couvrant toutes les époques et qui pourraient connaître un traitement identique à cette édition de Atom Heart Mother. La bande son de Live At Pompeï est restée longtemps "non officielle" d'ailleurs.
Bien à toi

Le 08 Janvier 2017 par VIV

Même si tout le contenu de cette compilation (version 2cd, pas le coffret) était déjà plus ou moins connu pour chaque floydiens avide de raretés, ce disque vaut quand même son pesant de cacahuètes. Pour ceux qui n'en ont pas eu assez avec "relics" quarante cinq ans auparavant, cette sortie amène de nouveaux os à ronger. Mention spéciale aux extraits de "zabriskie point' qui laissent présager certains morceaux de DSOTM et autres passages de echoes, surtout la version d'Atom Heart Mother sans les cuivres justifiant à lui seul l'achat de ce disque.
De la reconnaissance aussi à l'artwork soigné, en phase avec le contenu.
Bref, du bon boulot ; on en veut plus dans le genre. Les fonds de tiroirs se sont pas encore tous publiés. Pour Noël prochain on veut un live de la tournée "animals".

Le 08 Janvier 2017 par PETER STIPE

Le départ de Bill Berry et les problèmes de santé vécues lors des tournées précédentes ont failli aboutir au split de REM. Une configuration rappelant celle dont Depeche Mode fut victime à peu près à la même époque. C'est dans ces conditions que Stipe, Buck et Mills se sont lancés dans de nouvelles approches.

L'ambiance n'est pas au beau fixe et ça se sent tout du long. Contemplation et mélancolie imprègnent fortement chaque chanson. Des nappes de claviers et de divers effets de guitares survolent des boîtes à rythmes. On est dans la 2ème partie des 90's, l'électro a envahi le rock. Une véritable batterie vient parfois renforcer l'ensemble. Seuls titres péchus, "Lotus" (unique titre rock) et "Hope" se retrouvent bien esseulés. Si la 1ère partie de l'album se tient, la 2ème se perd un peu trop dans l'introspectif et des tempos soporifiques.
D'où l'impression d'être en apesanteur. "Parakeet" est presque floydienne. Pour les réussites : les singles "Lotus", "At My Most Beautiful", "Daysleeper", "Suspicion" et "Hope".

Le principal problème de "Up" vient de son hermétisme et de son manque de peps. L'électronique a permis au groupe de trouver une autre source d'inspiration. On aime ou pas. 2,5/5

Le 07 Janvier 2017 par MODE DE PECHE

Loin d'être mauvais, cet album de Depeche Mode n'est pas pour autant un chef-d'oeuvre de la pop. On sent un groupe qui se cherche encore, d'où le titre de l'album. On est dans l'expérimental teinté de new-wave. Martin Gore lui-même considère que le groupe n'a pas trouvé son style avant "Black Celebration". Les influences indus de "Construction Time Again" ont été digérées au fil des albums jusqu'à aujourd'hui. Sur cet album, le groupe est aussi bien capable de créer des titres intéressants et originaux ("Pipeline", "More Than a Party", "Told You So") que de replonger dans les erreurs des deux 1ers albums ("Shame", "Two Minute Warning", "The Landscape is changing"). Le reste s'écoute facilement sans être forcément très consistant. Le groupe a quand même progressé (surtout sur les arrangements) et l'arrivée de Wilder ne pouvait qu'être un atout majeur. Ce qui se confirmera très vite l'année suivante.

Le 06 Janvier 2017 par SGT JAKKU

Okay, "There Aint Nothing Like A Song" est le titre le plus dynamique de l'album mais on a tellement l'impression de quelque chose de forcé du genre "hey les gars, y a un morceau de rock ici, si si !" qu'on y croit moyennement à l'instar du morceau titre qui tente maladroitement de retrouver l'énergie et l'esprit du king du début des années 60. Pas très convainquant...

Seules 4 chansons ont retenu mon attention :
- "You're Time Hasn't Come Yet Baby", une ballade classique et agréable
- "Who Are You?" ma préférée, elle est un peu ringarde mais c'est aussi la plus intéressante mélodiquement parlant.
- "Let Yourself Go" pas très originale mais entraînante
- "You Groovy Self" qui fait la part belle à Nancy Sinatra, entre Jazz, Pop et Rock.

Le reste est soit médiocre, soit insignifiant. Conclusion, Speedway propose un contenu qualitatif assez pauvre et fait partie des BO les moins réussies d'Elvis.

Le 06 Janvier 2017 par CéDRIC

ce nevermind m`a toujours laissé indifférent certainement un des albums les plus surestimés du rock selon moi

Le 06 Janvier 2017 par NORTHMATHR

Steve Roach se lance à la conquête du grand silence infini. Ses claviers n'auront jamais sonnés aussi profonds, denses et dilatés, ils traversent littéralement l'espace en inertie sur des années-lumière ! Cet album préfigure ses futures œuvres, notamment l'incroyable et éternel "Mystic Chords & Sacred Places".

Le 06 Janvier 2017 par NORTHMATHR

Excellent album, qui se dénote du reste de sa discographie dans sa période 90's, mélangeant habilement ses sonorités plus chaudes et ethniques avec les sonorités froides types nappes spatiales (plus présentes dans les années 2000/2010).
Sûrement l'un des meilleurs de sa décennie avec "The Magnificent Void" et "The Serpent's Lair".

Le 04 Janvier 2017 par PETER STIPE

Ce qui fait qu'un groupe accède à la consécration mondiale, c'est une histoire de maturité, d'inspiration et de production. Après s'être révélé au monde anglo-saxon avec "Green" et 3 ans d'abstinence, le groupe décide de rentrer de plein pot dans les 90's en ajoutant à son style une richesse instrumentale qu'il avait plus ou moins approché au fil de ses albums. C'est encore Scott Litt, ayant oeuvré sur les 2 précédents albums, qui tient la production.

Il y a certainement eu une part de chance dans le succès de "Out of Time". Sans un "Losing My Religion", il n'aurait probablement pas connu ce succès. D'autres raisons sont expliquées plus bas. Le groupe n'a lésiné sur les moyens. On y trouve pas moins de 16 musiciens et (environ) 18 instruments. Sans oublier ceux du quatuor, y compris la fameuse mandoline. Les arrangements, y compris vocaux, sont superbes. Le clavecin sur "Half a World Away" est un avant goût de "Nightswimming". REM se fait un trip "alternatif-baroque" improbable. Cela dit, ce n'est pas le 1er groupe a avoir incorporé de tels instruments dans leur musique. Les Beatles ont sûrement fait partie des pionniers. Sur "Out of Time", il n'y a pas de chanson faible. Tout au plus des titres que l'on aimera moins mais qui, techniquement, sont irréprochables. Les meilleurs titres sont indéniablement, "Losing My Religion", "Texarkana" et "Country Feeback", que Stipe considère comme sa préférée. Une première : Mills chante en lead sur "Near Wild Heaven" et "Texarkana", tandis que Buck ânonne quelques couplets sur "Belong". D'un point de vue textuel, Stipe se pose, médite sur son existence, tout en cabotinant de temps en temps ("Shiny Happy People" par exemple). Il y a une forme de poésie, d'onirisme parfois.

Malgré l'immense succès de "Out of Time", le groupe n'a pas voulu faire de tournée promo, préférant se contenter de quelques 'unplugged'. Peut-être qu'il n'y était pas préparé. Son approche musicale et textuelle tirera sa conclusion sur l'album suivant : "AFTP".

PS : l'album est sorti en version remastérisée fin novembre 2016, pour ses 25 ans (déjà!).